M+A
Things.yes
Monotreme 
7 Nov. 2011

par Benjamin PRADINES

La recherche de la nouveauté par le biais de liens MP3, de disques physiques, d'amoncellement de mails promos, de pubs... Beaucoup de sources et pourtant assez peu d'élus et de prétendants à l'appellation « Jolie découverte ». J'en vois déjà qui s'esclaffent de mes interjections « c'est le disque de l'année ! », sorties à tort et à travers  lorsque je sens quelque chose dans la musique de quelqu'un ! Ah ! Ce trop plein d'enthousiasme et cette envie de ressentir du plaisir et de dire que l'on tient quelque chose hors du commun! Le duo Italien aura pourtant droit à ce charmant qualificatif après une première écoute !!  Mais attention, une vingtaine d'écoutes plus tard et c'est une évidence ; nous avons affaire-là à un disque qui n'est pas seulement « joli ». Ce Things.yes  est aussi indispensable et rare.

Je m'explique :

Sans vraiment connaître les secrets de fabrication de cette musique profondément Pop, on navigue au grès des plages de cet opus, dans des univers oniriques, astucieux, bricolés, inventifs. La pop du futur peut être ? 

On pense à un Four Tet qui aurait mangé un clown, à un Radiohead juvénile et fougueux, à un Beirut électro ou à un Bibio qui aurait enfin réussi de bout en bout un album ! Ces deux jeunes musiciens (19 et 22 ans) illuminent nos oreilles ; ils lâchent 10 titres aux rythmiques foutraques, sur lesquelles ils peignent, avec une facilité déconcertante, de charmantes mélodies incrustées, remplies de voix découpées, concassées. Le tout en jouant sur les syllabes et les intonations.  Des cuivres se font entendre sur le Liko Lene Lisa. On sautille seul à l'écoute de  Bla  et son beat dancefloor mais pourtant si mental.  Le piano de Bam et sa délicate montée laisse place à des lames de xylo enfantines et à une flûte échappée de ces cours de musique qu'on souhaiterait oublier.  Des accords de guitare sur le sublime Bergen.jpg , un son organique qui sort d'on ne sait où et se mélange à des sons du quotidien (bruit de porte, de pomme que l'on mange, de cries...). La musique comme terrain de jeu destiné aux auditeurs, mais aussi aux deux musiciens eux-mêmes.

En un disque, ces italiens nous rassurent quant à la possibilité de réunir les clubbers et les plus intégristes de la chose dite « Pop ». On peut écouter M+A dans le bus, dans son salon, mais aussi plus tard en soirée.  Leur trouvailles mélodiques n'ont pas de limite et font virevolter un sentiment de joie et d'euphorie libératrice tout autour de soi.

Ils le disent eux-mêmes, cette musique Bricolée, faite sur une mezzanine, est une invitation à la divagation et à l'imaginaire collectif ou personnel, comme un point de départ vers autre chose.

Pour prolonger l'expérience, il faut aussi découvrir leur univers visuel qui semble être le prolongement logique de leur bande son enfantine. Un univers graphique qui forme un tout, comme leur pochette ; le choix de la couleur du disque ou non (noir ou blanc), le ludique, le jeu toujours en tête.

Ce « things.yes » semble comme une évidence lors de son écoute. Le coté très bricolé nous rassure et coule de source : 42 minutes plus tard, on souhaite juste que l'histoire qui vient de nous être contée reprenne de plus belle. A chaque nouvelle écoute (que l'on conseillera au casque) de nouveaux détails se révéleront à vous et continueront de vous émerveiller.

En sommes, nous tenons-là le disque de 2011 !!!

Tycho
- Dive - 
Ghostly International
Sorti le 14.11.2011

Aujourd’hui nous allons nous pencher sur le nouvel album de Tycho artiste et producteur de musique électronique, de son vrai nom Scott Hansen.

Originaire de Sacramento, graphiste de formation sous le nom de ISO50, il démarre sa carrière de musicien en 1995 à San Francisco.
Hansen a commencé sa carrière dans la musique électronique en 2002 avec son EP The Science of Patterns , qui a été suivie en 2004 par son premier album, Sunrise projector, (ressorti deux ans plus tard sous le nom de past is prologue qui fut applaudi par la critique)

Près d’une décennie donc, depuis Sunrise Projector ;  Tycho revient avec un tout nouvel album intitulé Dive qui sort le 14 Novembre prochain sur le label Ghostly International qui a déjà signé Matthew Dear, Gold Panda, Come Truise…

Considérant son travail de graphiste en adéquation avec celui de musicien il tire son inspiration dans les deux pour nous proposer un album poétique et mélancolique de 10 titres.
Musicalement Tycho allie des mélodies électroniques tourbillonnantes  à des samples vocaux afin de créer un environnement envoutant. Pour être plus clair, pour vous chers auditeurs, on dira qu’il s’agit d’une salade de fruits atmosphérique  d’électronica acoustique.
L’album est un voyage à travers les sens,  entre tristesse, joie, ou encore mélancolie. Une expérience matinale parfaite : Une vision du monde à contre temps qui n’appartient à aucun endroit ou moment particulier.

Un album nostalgique donc et  aboutie à écouté d’une traite. Et comme il le dit si bien lui-même
 « la nostalgie est un dénominateur commun dans mon travail mais cette album n’est pas conduit par cette idée. Je vois ces chanson comme des gadgets de notre futur qui pourrai avoir plus en commun avec notre passé qu’avec notre présent. » ainsi parla Tycho !
Nous sommes d’accord avec lui, et le voyage dans le temps est plus qu’appréciable !

L’album est dans les back depuis le 14 Novembre chez tous  les distributeurs et pour une prestation live il faudra soit traverser l’atlantique soit être patient et attendre une éventuelle date en France …

Enfin voici les liens pour suivre ses projets :

http://www.myspace.com/tycho/
http://tychomusic.com/ 
ses projet de graphiste en tant que ISO50 sur son blog http://blog.iso50.com/

Chronique par Violette Le Saux

Fulgeance
To All Of You
MPM Records
à paraitre le 11 Nov. 2011

par Benjamin PRADINES

l'interview, c'est par ici !

Le premier LP de Sieur Fulgeance arrive dans les bacs !! Le 11 novembre !! Signature d'un armistice

sonore ? En effet le frenchy sort son disque sur le label allemand MPM. Les temps ont changé et le

monde de la musique est en paix...

S'il n'est pas vraiment question de date dans ce premier effort sur long format, il est plutôt question

de mouvement et de voyage. En effet dans ce bel OVNI discographique et visuel (son ami Ease se

charge de l'artworking) se cache un peu le journal de bord du capitaine Fulgeance qui, depuis ces

premiers maxis sur différents labels européens, parcourt le globe et emmagasine les expériences et

les rencontres. Et si les voyages forgent le caractère, ceux-ci ont eu le mérite d'enrichir encore plus le

langage musical de Fulgeance.

To All Of You commence avec les flashlights de L.A. et le morceau La cité des anges, on se croirait

embarqué dans une ville lumière post-moderne et proto-electro, le ton est donné.

Le morceau Hiver normand tranche avec un son moins clinquant, douillet et personnel, on y entend

des voix fantomatiques sous vocodeurs. On y est bien... On a envie de Normandie nous aussi.

Le Montofalco Mato est quasi religieux et ces voix cathartiques nous emmènent loin dans le ciel.

Les têtes ne peuvent pas bouger plus que sur le London Falling, réponse electro catchy au classique

des Clash.La rythmique claque avec ce beat casse-nuque à souhait. Jay Dee aurait aimé ! 4Min19 plus

tard on a un arrière gout d'émeute Londonnienne dans la bouche.

Sur One of the bestown on y entend des basses et rythmiques quasi dubstep, mais sans en être. Il

utilise les codes sans y mettre les doigts. Salement malin.

Plus léger, l'Expresso Fredo se fait sautillant et ses changement de tempo réguliers asseyent encore

plus le son « Fulgeance ».

Le Tokyo Blue Nostalgie porte bien son nom et nous fait sombrer dans l'ambiance des films de Wong

Kar-Wai ou de la folie contenue d'un David Lynch. Amour, nostalgie et regret. Comme pour nous

signifier que le voyage est terminé.

Dix titres comme dix étapes de vie des dernières années du producteur, invitation au voyage et à

la décadence musicale post-moderne. Même si les morceaux sont assez différents, la production

et l'utilisation du fameux sampleur Mpc donne une ambiance assez homogène à To All Of You. Le

son est sec et laisse filtrer en filigrane des mélodies qui après plusieurs écoutes semblent ainsi plus

évidentes.

On imagine aisément un hommage presque non dissimulé à toutes les personnes que Fulgeance a pu

rencontrer lors de ces voyages et de ces lives dans ces différentes villes du monde.

Comme il est généreux et partageur, le disque contient des remixes de ces différents amis du monde

entier ceux-ci revisitent quelques uns de ces titres en y apportant leur touche et leurs amour de la

production. Un juste retour des choses peut être ? Ou juste un cadeau en guise de partage et de

message To All Of You.

Jonti
Twirligig
Stones Throw Records
à paraitre le 18 Oct. 2011

par Sophie Marletta

The Patriotic Sunday
Actual Fiction - 2011
sortie prévue le 17 Octobre 2011

The Patriotic Sunday nous revient avec un nouvel album prévu dans les bacs pour le 17 octobre prochain !

Un nouvel opus intitué « Actual Fiction » !

Le prodigieux Eric Pasquereau s'est adjoint les services de la Terre Tremble aux arrangements cette fois !

Deux ans après la sortie de l'album Characters, The Patriotic Sunday continue d'affirmer sa poésie, ses rifs aux saveurs plutôt rock'n'roll et son romantisme...

Avis aux ammateurs de folk : Actual Fiction n'est non pas un album à écouter mais à dévorer !!!

A ne pas manquer :

The Patriotic Sunday donnera un concert à Nantes le 17 novembre prochain, à Stereolux, aux côtés de Mansfield TYA. Concert qui démarrera à 20h30 dans la salle micro.

par Sophie Marletta

Young Montana ?

Limerence (Alpha Pup Records - 2011)

Glitch hop, idm

Du haut de ses 20 ans, l'anglais Jon Pritchard encensé  par la prêtresse de l'électronique Mary Anne Hobbs, sort Limerence, album de hip hop largement marqué par l'idm. 

Première production impressionnante, Limerence est le fruit de nombreux collages, ingénieusement juxtaposés. S'inspirant de disco ou de soul sur certains titres, son auteur construit un hip-hop tourbillonnant et résolument moderne. Les compositions sont vives, pleines d'énergie. Prenant le meilleur d'un J.Dilla et le malaxant façon Flying Lotus (écoutez Suchbeats (feat. Stainless Steele)). Pritchard semble s'amuser à nous étourdir.

Fait remarquable avec cet album,  il ravira autant les amateurs d'électronica que de hip-hop expérimental. Touchant dès lors un large public y compris les néophytes. Cela s'expliquant par la présence de titres imparables. En premier lieu Sacré Cool et son beat enlevé. Morceau à l'énergie disco qui apporte une joie instantanée. On peut y entendre le chant chamanique de Skip James, balancé en forme d'écho magique. Et l'on se dit que c'est chouette de sampler Devil Got My Woman. 

Bad.day ne démérite pas non plus. Rythmé par le handclap et les cuivres taillés finement en première partie, le morceau intègre une certaine acidité, nous enfonce progressivement dans cette journée de merde ou tout part en couille.

Ce genre de journée qui vous fait grincer des dents et progressivement perdre la tête. 

Et puis il y a Connct, dernier titre de la galette. Tapageur! Dont les grésillements annoncent un gros beat de clubber pour muter vers un rythme plus organique, mélodique et entraînant. Le genre de morceau que pourrait produire U-Ziq s'acoquinant avec Clark en utilisant les textures de Tokimonsta.

Mais on ne va pas s'amuser à disséquer cet album. Sachez simplement qu'à travers cette large palette sonore, l'anglais construit des rythmes se breakant les uns les autres. Crée un chaos luxuriant, souvent virevoltant et chaleureux malgré sa complexité (Mynnd, Repetition). A l'image de l'artwork, conçu par le talentueux S.Maharba, où les lignes colorées du corps s'entrecroisent pour former un tout cohérent.

Le beatmaker puise sa force de son éclectisme. Recyclant tout ce qui lui passe sous la main et le bidouillant de manière ludique. Daddy Kev a bien compris le potentiel de ce jeune anglais en produisant Limerence. Alpha Pup nous offre un bel album, plein de fraîcheur et de bizarrerie, en provenance de L.A.

Sébastien TRIBOT.

Mount Kimbie / Maybes EP
Hotflush Recordings

    Première fournée du tandem anglais (Dominic Maker et Kai Campos) post-dubstep Mount Kimbie, Maybes inaugure admirablement l'univers de ces deux gaillards. Signé sur label londonien Hotflush Recordings en 2009, Mount Kimbie poursuit l'exploration du UK Garage lancée par Scuba, Kode9 et tant d'autres...

    Maybes le titre éponyme de l'Ep lance la machine Mount Kimbie. Et de quelle manière! Une boucle sonore déchirante enveloppe votre cerveau de coton. La pensée que vous pouviez avoir il y a 20 secondes se perd dans l'écho hypnotique des nappes aériennes. Et alors que de cette répétition pourrait naître de la lassitude, un rythme quasi surnaturel vous frappe au coeur. Le morceau vit, implose, vous broyant et emportant tout sur son passage. Des voix pitchées s'accouplent avec un rythme organique (orgasmique?) pute qui prend au corps. Le tout s'avère cohérent, lumineux et laisse surtout l'agréable sensation de n'avoir jamais entendu pareille musique.

    Suit William. Pépite fragile et timide distillant lentement une ambiance de fin du monde. De construction quasi-similaire à la piste précédente, elle instaure un climat vaporeux à l'ambient glacé introduisant au terme d'une minute vingt, un rythme techno ralentit et sourd. Les crépitements caverneux s'immiscent en vous, tout comme la voix lointaine et pourtant intimiste du mec qui chante. Mount Kimbie pénètre les profondeurs de l'inconscient, nous submerge d'une mélancolie magnifique. Mais ce n'est pas fini puisqu'en bout de course surgit un rythme perché, nous attrapant alors que les doux bras de Morphée s'apprêtaient à nous cueillir. La grande classe!

    William nous plongeait dans une torpeur aphrodisiaque, la piste suivante nous remue à travers une atmosphère sale et opaque d'un nuage à l'autre. Suffoquant, nous sommes déséquilibrés par le grondement de monstres aériens. Alors déboule tintement de cloche, de verre ou je ne sais quoi encore. Mais c'est d'une telle pureté! La danse goguenarde de squelettes perdus entre deux mondes depuis un temps infini. La jouissance vient sur la fin de Vertical où des voix pitchées, susurrées vicieusement, accompagnent superbement la montée abstract découpée avec une grande précision. Vertical porte bien son nom. On monte, on monte, on aimerait que ça ne s'arrête jamais.

    On aborde à présent le dernier temps de l'Ep avec Taps. Ici pas de construction en trois temps mais plutôt une ligne directrice poursuivit tout au long du morceau. Entêtant, sombre, à la folie doucement déviante, un rythme à la Mount Kimbie quoi, pas toujours définissable.

    C'est la contradiction qui habite cet ep. Toujours sombre et lumineux, lourd et éthéré, caverneux et élégant, Maybes s'avère magique et dévastateur! D'une maturité rare, exemplaire pour leur jeune âge. On doit cette qualité à ce souci du détail qui amène les compositions vers une perfection et un sens de l'épure aiguisé. En matière d'electronica ambient, on ne pouvait espérer mieux. Merci!

ODEZENNE

OVNI

En écoute :
l'interview du groupe lors de la chronique carte blanche de l'émission Opus Magnum

Si vous vous êtes échoué sur le site de PRUN’ vous avez certainement déjà lu ou entendu parler du groupe O2ZEN (oui, oui, c'est bien de celui-ci dont je parle sur la page Ici) mais aujourd’hui celui-ci est devenu ODEZENNE.

 Après un premier disque « sans chantilly » sorti il y a 2 ans, le groupe change de nom, ou du moins d'orthographe, pourtant le groupe joue toujours de ses mêmes maux et continu à faire parler son univers seul et à part, sans faute de gout.

 Nouveau nom, comme pour marquer une nouvelle étape dans l’accomplissement de leur musique,  le groupe Odezenne est composé de personnalités bien différentes et de parcours pas moins atypiques : danseur, rappeur, slameur, dj, grapheur…. On retrouve les mêmes protagonistes : Jaco et Al aux micros, Merlin à la production et la guitare, Dj lodjeez aux platines, k-price à la danse. Odezenne n’a pas de formule magique pré-mâchée mais semble bien vouloir marquer sa différence une nouvelle fois; leur musique a changée mais reste fondamentalement la même, ils creusent un peu plus le sillon de leur originalité.

 La recherche de sample évoquant l’univers de l’enfance dès l’introduction nous met dans l’ambiance: « Saxophone » nous plonge dans des souvenirs de jeux d’enfants et de chansons criées à tue-tête dans les cours de recréation. Les mots sont déjà bien là, rebondissent et se posent sur une musique presque fantomatique et résolument rock, on pense aux rockers anglais d’oxford.

« Dedans »  quant à lui pointe du doigt les dérives du nouvel ordre mondial, le groupe se fait observateur et critique du monde télévisuel et des errances humaines, mais sans aucune démagogie, ni amertume. Le groupe n’a pas laissé au placard ses swing jazz et y ajoute de manière astucieuse des chœurs d’enfants qui accentuent la force du refrain « chie dedans, rêves dedans, bouffe dedans, dors dedans, bosse dedans,  baise dedans… »

 Les flows restent singuliers et les titres « Méli-mélo » et « Maux doux » nous le rappellent avec force, le rap est là mais il sonne de manière différente, se fait sensible et un brin désabusé. Ces morceaux se distinguent aussi par leurs rythmiques brinquebalantes: ils se jouent de nos habitudes musicales, nos oreilles sont accrochées et écoutent.

 Mais odezenne raconte aussi des histoires d’acteurs du quotidien. « Taxi » nous embarque dans une nuit ordinaire d’un chauffeur de taxi, on respire le temps du morceau la vie décalée de ces voyageurs sans fin, spectateurs du monde urbain.

Certains morceaux sont marquants, les MC choisissent de traiter leur sujet de manière très frontale comme dans « Boom Boom » et ses rimes très riches et imagées sur un sujet peu  abordé dans le rap : la dépendance aux drogues. Le point de vue et le parti pris remportent les suffrages et laissent un goût amère, le but est atteint ….

Odezenne n’oublie pas de parler d’2. Ils le font de manière tellement pertinente que l’on s’identifie vite à ces jeunes ados dépeints dans « Hirondelles », du vécu décrit à coup de rimes habiles. Chacun peut se reconnaitre dans ces réminiscences du passé empreint de nostalgie.

 Ce nouveau disque « OVNI » montre que le groupe a pris de la maturité et s’éloigne encore plus du rap pour proposer une mixture parfois étrange, souvent géniale et surtout un univers d’une sensibilité hors norme. La musique elle, se fait plus electro sur certains titres mais elle reste toujours au service des textes, on sent que le groupe n’écoute pas que du rap.

Mais attention c’est un disque qui mérite une attention particulière, les textes sont parfois crus, les jeux de mots nombreux, les atmosphères sombres, on entend parler du monde d’aujourd’hui, d’histoire  humaine. Au fil des écoutes on prend l’ampleur du message que cette Orchestre Incompétent semble nous adresser. A chacun d’entre nous d’accueillir cet OVNI selon son vécu et son histoire personnelle. Une chose est certaine, on espère que celui-ci  repassera dans le ciel de nos vies pour nous rappeler au bon souvenir de cette expérience musicale. I want to believe !!

PRADINES Benjamin

Grasscut 
1 inch / 1/2 Mile 
Ninja  Tune - 2010

Basés à Brighton au Royaume-Uni, les deux compères de Grasscut : Andrew Philips et Marcus O'Dair accouchent après un an d'attente d'un 1 inch / 1/2 Mile pop et électronique. Suscitant une curiosité non feinte pour ceux qui avait éprouvé bien avant leur trois savoureux Ep. Alors que nous ont concoctés le compositeur de bande originale et le contrebassiste ?

En me plongeant dans la première version longue de Grasscut, j'y ai senti quelque familiarité avec Heligoland, le dernier album de Massive Attack. Par l'esprit. Les débuts sont déconcertants, très bien produit certes mais toujours à la recherche du souffle qui devrait faire décoller les morceaux. Ceux là n'émergeant jamais vraiment. 

Et puis on réécoute, encore. La mayonnaise commence à prendre. C'est le cas pour "Old Machines" qui paraissait inoffensive au début alors qu'elle injectait déjà son venin. Aux écoutes suivantes les griffes se referment et on se demande pourquoi on y avait été indifférent. Pareil pour "Meltwater" qui me semblait être un pot pourri pas forcément digeste et pas nouveau non plus. Mais c'est léché. Bizarrement un petit miracle se produit. On prête davantage attention aux détails.

Ensuite le temps devient une notion incertaine avec "The Tin Man". Bidouillant une voix féminine asiatique, ce morceau fait indéniablement penser à une composition filmique. Elle est aussi très élégante. "1946" assure la continuité, sorte d'association entre la rêverie du thème d'In The Mood For Love et l'aspect organique d'Emilie Simon. 

Pour ne rien gâcher, deux tubes majeur pimentent l'album. Il s'agit bien sur de "Muppet" et "Door In The Wall". Inhabituels de par leur construction, le premier étant un triptyque (synthés saccadés/rock puissant/chant d'église) et le second une ballade forestière déviante gentiment barrée. On se laisse facilement emporté par le charme et la joie quasi naïve de ces deux morceaux. 

En fin, "In Her Pride" clôt superbement la galette. Mélancolique, la voix d'une vieille femme portée par un grammophone appuie la déchirure progressive des instruments. Ce n'est pas sans rappeler les deux hommes sur la pochette, debout côte à côte, contemplant l'horizon.

Représentant une forme de renouvellement pour Ninja Tunes qui fêtait ses 20 ans de vie il y a peu, Grasscut offre un vent frais au label. Stagnant sur ses acquis, la maison de disque n'apportait plus réellement de chouettes découvertes. Ce 1 inch / 1/2 Mile surgit donc à point nommé. Accessible et riche, libre et onirique. Surprenant au fil des écoutes, l'album dévoile de multiples facettes et démontre un sens de la composition bien personnel. Songeant forcément au trip hop d'antan, le groupe élabore une douce atmosphère parée de mélancolie et d'expérimentation. Une bonne surprise. 

Sébastien TRIBOT.

La Canaille 
Par Temps de Rage
Autoproduction
Sortie le 28.02.2011 

Le 28 Février prochain sort le nouvel album du groupe francilien, La Canaille.

Melange savoureux entre rock et Hip Hop, textes engagés et poétiques tout est réuni dans cet album pour vous faire évader et réfléchir.

En attendant, restez à l'écoute du 92FM pour découvrir des titres issus de ce nouvel opus.

  Des découvertes en tout genre, on en fait, entre les disques promus aux futurs classiques ou le tube rap rock pop de la semaine… Le tout est, en général, vendu à grand coup de poing médiatique. Loin de cette agitation et de cette Industrie Musicale, quelques groupes jouent les résistants: ils font  des miracles avec des paroles sincères et une musique simple, en toute indépendance, pour n’avoir aucun compte à rendre à personne.  On peut parler d'un contrat de conscience entre eux et l’auditeur.

  La canaille, groupe de Rap français de Montreuil se la joue live. En effet le rappeur poète Marc Nammour est accompagné d’un groupe au profil plutôt rock (basse, batterie, guitare) et leur musique ne l’est pas moins. Leur premier album « Une goutte de miel dans un litre de plomb » sorti il y a deux ans marquait déjà leur différence avec un rap actuel qui oublie souvent de pousser à la réflexion son auditoire ; l’amener dans ses derniers retranchements.

  Suite à quelques changements internes (musiciens qui partent, d’autres qui arrivent),  La Canaille en a profité pour changer de son. Celui-ci se fait plus brut, les beats claquent, les guitares sont plus rêches, la production plus directe. 

Mais c'est aussi dans les lyrics que le côté direct se fait plus perceptible.  Le disque commence par le morceau « j’ai faim » en featuring avec  le rappeur Américain Napoléon Maddox: le verbe est dur, la rythmique implacable, la suite l’est tout autant. De « ma poésie ne se lave pas » en passant par le « soulèvement » le texte est pertinent et la lourdeur des sonorités  illustre parfaitement les propos de ces brulots musicaux quasi révolutionnaires.

  Les morceaux « Le dragon », « La mise en J », « l’eau monte » relèvent plus de l’intime et parlent de personnes que l’on pourrait croiser dans notre quotidien, de gens que l’on croise sans les voir. Ils sont toujours dépeints de manière juste et réaliste, sans clichés, ni jugement. Ils évoquent leurs faiblesses, leurs erreurs, leurs espoirs, leur vie… Le groupe au passage se permet d’égratigner les faux rappeurs, faux révolutionnaires avec le morceau court mais efficace « Trop Facile ». 

  La musique et les paroles sont toujours en parfaite adéquation: elles appuient la richesse des textes sans pour autant la parasiter. Là où certains auraient pu en rajouter, La Canaille elle,  simplifie sa musique jusqu’à l’os pour donner encore plus d’impact aux textes.

  Le point final du disque est le titre « La colère ». Ce sentiment souvent dompté mais quelque fois responsable du pire n’a jamais été aussi bien exprimé en musique !

  La groupe la Canaille n’aura certainement pas le succès qu’il mérite mais un disque comme celui-ci donne espoir en l’avenir d’un rap français qui s’est quelque peu perdu ces dernières années. La musique RAP retrouve là une de ces fonctions d’antan : La revendication ; le rappeur son rôle de chroniqueur social.

Benjamin PRADINES

+d'infos:

http://www.myspace.com/lacanaille

Extrait de l'album "Par Temps de Rage" avec le morceau "J'ai Faim"

Zgoaya
"Higher Grounds" 
(Autoproduit - 2010) 

1968 : la musique jamaïcaine , à l'instar du mouvement hippie et du «  flower power » révolutionne le monde de la musique ! 

« Bangarang » , un morceau orchestrée par Lester Sterling et Stranger Cole, résonne aux 4 coins de Kingston : le reggae vient de naître !

1985 : révolution interne du reggae ! King Jammy met tout le monde K-O avec le premier tune digital . Les musiciens sont mis de côté . Place aux ordis et aux boîtes à rythme !

2011 : Que reste – t il du » reggae music » ?

Rassurez – vous, le reggae est bien vivant !Il brûle toujours du même feu mystique et sauvage; il résonne toujours des mêmes vibrations , decelles qui remuent l'âme ou apaisent l'esprit !
Et si ce feu devait être alimenté , le premier album de ZGOAYA , en serait l'un des combustibles majeur !

« HIGHER GROUNDS » est un album puissant, fougueux, passionné.

Un coup de maître où rien n'est laissé au hasard ; où chaque note, chaque mot a un sens .

Et qui vous touche en plein coeur !

 Du premier riff d'"Out of the music room", jusqu'aux dernières résonances des percus d' "Higher Grounds", on ressent toute la sueur, la générosité, et l'intensité que le groupe Zgoaya veut donner et partager avec ce premier album .

Indiscutablement, on est bien en présence d'un grand cru du « Roots, Rock, Reggae » !

Prenez, par exemple, le morceau « The Saunter », avec son skank rythmique incisif, habillé de cuivres et  enrobé de percussions . Il définit à lui seul, l'esprit du « Roots reggae » : une alchimie parfaite entre rage et douceur , entre engagement et retenue !

La force de Zgoaya tient tout d'abord, dans la capacité des musiciens à jouer juste, à s'imprégner du rythme originel pour mieux en explorer les contours, et d'un seul coup, à vous embarquer dans leur propre univers . ( It's been a while, Mirrors )

Tour à tour , on perçoit la nervosité de la trompette ou du trombone , la complicité  historique du duo basse-batterie mais aussi la puissance de l'orgue Hammond et la fraîcheur du clavinet !

Niveau texte , le choix de la langue de Shakespeare en déconcertera certains, mais il suffit de lire et de traduire les paroles pour comprendre que Zgoaya ne chante pas pour rien !

Les messages ( guerres inter-religieuses, formatage idéologique ...) sont délivrés de façon simple , avec conviction mais aussi une touche poétique particulièrement appréciable ( écoutez « Wooden Horses »). On est loin des répétitions irritantes et souvent surjouées de termes  comme « Jah », « Babylon » ou autres « ganja » !

Le chant est juste et parfaitement équilibré avec les choeurs. Ceux-ci appuyant en profondeur les envolées  du chanteur, comme sur le morceau «  Something Concrete »

Si l'on ne peut nier que le reggae music a souvent tendance à se reposer sur ses acquis, Zgoaya, aux côtés d'autres groupes comme Groundation ou Midnite,en est le parfait  contre-exemple !

« Higher Grounds » est un véritable voyage , une pause rafraîchissante en plein désert artistique que traverse le reggae. ( mention spéciale pour les superbes peintures de J-P. LAFEAC )

S'il sait déjouer les pièges de la répétition et du conformisme, le groupe,  riche d'un collectif aux influences mutiples ( certains membres jouent du métal, d'autres du jazz ..), a tout pour devenir une référence et un groupe incontournable.

Et rien ne dit que Zgoaya ne tracera sa route qu'au travers du reggae music !

http://www.myspace.com/zgoaya

Chronique de l'album écrite par Papayatik de l'émission Inna Di Roots

Toro Y Moi
Causers of This
(Carpak Records - 2010)

Depuis quelque temps le courant chillwave est amorcé. Il avait gagné du terrain avec Washed Out et Neon Indians, c'est avec Toro Y Moi qu'il vient renforcer son influence sur les musiques actuelles. Alors qu'est-ce que de la chillwave? Sur Internet on peut lire "Un genre de musique électronique avec un lourd accent mis sur les beats dance, les mélodies pop simples et les synthés rétros. Il y a assez souvent une manipulation du son pour faire sonner l'ensemble "plus vieux" ou psychédélique." Et la musique de Toro Y Moi entre clairement dans cette case puisqu'elle fait la part belle à cette forme de rétro futurisme pop électronique un peu naïf. Toro Y Moi est le projet de Chazwick Bundick, Chaz pour les intimes. Il est âgé de 23 ans et s'est installé en Caroline du Sud pour fuir l'agitation de New York. Précisons qu'il goûte aux saveurs de Jay Dilla et d'Animal Collective. Voilà pour le bonhomme.

L'album contient onze pistes. La première, Blessa, est vraiment très belle. Clairsemé de nappes de synthés psychédéliques, Blessa nous emmène incontestablement dans des abîmes aquatiques. Il est bien question de pesanteur, de fluctuations et on se laisse embarquer par le chant rêveur de Chaz. En bout de course, la chanson dégringole en une chute désenchanté qui introduit magnifiquement le deuxième morceau : Minors. Le titre démarre de manière frontale, un beat fracassant, une espèce de sample mérovingien et la voix de chaz tour à tour complainte et douce. Comme le dit ce vieux dicton, le calme survient après la tempête. Ici, loin d'apaiser nos ardeurs, il attise notre envie de se cogner au beat. La production sonore est de haute volée, tout les éléments se répondent, le tout admirablement travaillé. Toro Y Moi est un faux ingénu car même s’il se dégage une certaine fraîcheur sûrement relative à son jeune âge, il reste un technicien du son, maîtrisant parfaitement son sujet. Et puis il y a Lissoms, qui aguiche l’oreille avec ses crépitements et une voix découpée qui prépare le beat abstract électronica qui surgit avec force. Et on succombe ou non à cette avalanche sonore, cette superposition de collage ou les variations de rythmes sont le fil conducteur du morceau. C’est un peu Toro Y Moi, dans son sous-marin secret, triturant le sonar pour créer un club beat dance ou tous ses potes à tête  de poissons clown se déhanchent. Puis vient Fax Shadow, toujours abstract, avec quelques similitudes avec Jay Dilla à cause de son beat lancinant à coups de cordes et de voix saccadées. D’avantage syncopé et plus expérimental, Fax Shadow possède toujours ce psychédélisme sous-jacent, cette joie créative qui fait de Chazwick Bundick un auteur inspiré. Le retour aux 80’s s’opère avec Thanks Vision, on abordait plus haut cet aspect rétro futuriste, cette alchimie toute chillwave de remettre au goût du jour des saveurs éculées. La force de ce morceau est sa faculté à envahir progressivement notre cerveau de vapeurs psychés matinées d’électronica perchée jusqu’au final bouleversant. C’est une drogue douce qui s’infiltre et qui perd le fil de vos pensées, les rendant évanescentes. Alors Freak Love déboule et la réalité semble se détacher encore plus loin. Une des meilleures pistes de l’album. Dès les premières notes, Freak Love m’étreint les synapses. La voix de Chaz survole un beat étrange, des synthés sur une corde raide accompagnés d’un son impalpable. Il est bien question d’amour irrationnel, inconditionnel. Par conséquence, Talamak semble plus lisse mais a le mérite de laisser vagabonder notre esprit après cette claque d’amour. On peut alors traîner dans les rues heureux. 

L’écoute de ce Causers of This démontre un gros potentiel. Ce n’est pas l’album ultime, celui-ci étant entaché par des morceaux un peu moins convaincants comme Imprint After, You Hid ou Low Shoulders, trop plat, trop kitch à mon goût. N’en demeure pas moins, d’excellents titres (Blessa, Minors, Freak Love…). Certains diront que l’album surfe sur le courant chillwave dont la pérennité est encore incertaine. Le mieux est encore d’écouter ce disque et de vous forger un avis par vous-même.

Sébastien TRIBOT.

Gold Panda 
Lucky Shiner
(Ghostly International)

Qui est Gold Panda ? Vous vous posez sans doute la question et vous avez raison. Sa musique nous amène à croire qu’il provient de Los Angeles, compatriote de Flying Lotus ou Baths. Mais point du tout, Gold Panda est anglais. Né à Chelmsford, Derwin Panda comme il aime à s’appeler, vit et travaille actuellement à Londres. Lucky Shiner est son premier album. On avait connut le Panda avec trois Ep sortis en 2009 qui avaient suscité plus que de l’intérêt. C’était alors l’abstract electronic de Miyamae qui nous avait charmés, le glitch orientalisant et les textures ouatés de Quitter's Raga qui nous avait envoutés. Seul Before m’avait quelque peu déçu, y voyant certaines accointances avec un Fatboy Slim plus expérimental et abstract. Mais toujours cette marque de fabrique originale, empreinte de poésie, surprenante à bien des égards. Ce sentiment que le panda était un globe-trotter qui avait choppé ici et la des influences de New Delhi à Rio, de Tokyo à Los Angeles. Internet est bien évidemment la cause de cette ouverture d’esprit. Et Gold Panda s’inscrit clairement dans cette génération curieuse qui en un clic explore différentes contrées. 

S’en suivait une attente fébrile, les mains poisseuses dans l’attente de l’album. Sorti sur le très bon label Ghostly International à qui l’on doit d’heureuses découvertes comme Lusine ou 10:32, Lucky Shiner nous parvenait physiquement en Europe le 11 Octobre dernier. Trêve de bavardages et venons en à l’album. You inaugure la galette. Tube Glo-Fi aux consonances indiennes, You surprend par un sample frais et léger. La surprise est encore plus grande lorsque le jeune homme de 28 ans enchaîne avec Vanilla Minus. Faisant le grand écart, sans même se trouer le pantalon. Ici, il fait la part belle à une techno minimale avec un rythme binaire présent tout du long. Ca pourrait sonner creux s’il n’y avait pas cet amour de l’exploration sonore. Same Dream China est de cette veine, avec l’ambition de procurer un plaisir qui se construit. La recette est pourtant simple, une boucle orientale répétitive, l’arrivée d’un beat en handclap accompagné de cuivres feutrés, quelques notes qui surviennent à point nommé et une mélodie qui gémit fébrilement. Mais l’émotion est la. Pourquoi bouder son plaisir ? Snow & Taxis peut s’appréhender comme une intuition lumineuse, ou différentes strates musicales se superposent. De la minimale clubienne à une electronica réveuse, une ode à tous les branleurs qui se demandent dans quel monde on vit et qui y réfléchissent dans le train. Les paysages défilant sous nos yeux étant sublimés par cette musique. Puis vient Before We Talked, qui fait très mal! Il faudra bien plusieurs écoutes avant d'en profiter pleinement. Son charme découlant de sa retenue et des infimes nuances qui la composent. Et de ces instants de rupture émane une force étonnante, ou déboule un beat ravageur, car ultra travaillé et ce jusqu'au final drone ambient. I'm With You But I'm Lonely comme son nom l'indique décrit fidèlement cette situation que nous avons tous connu. Celle d'être présent physiquement mais ailleurs mentalement, que l'on ne communique pas réellement sur ce qui nous semble important. L'impression d'être partiellement compris, se demander pourquoi autour de tous ses gens on se sent si seul. Ce sentiment de désillusion s'accroît avec After We Talked et ses synthés à bout de souffle. Une subtile agonie en 8-Bit. C'est à ce moment que Gold Panda décide de reprendre du poil de la bête avec un titre phare : India Lately. Complexe, lancinant, fourre tout de génie, ce morceau ramone l'échine et pourrait faire penser à une rencontre entre Four Tet et Amon Tobin. Le côté orientalisant y est plus que jamais présent, l'atmosphère devient tendue comme en prévision d'un danger jusqu'à l'arrivée libératrice de la batterie, en free jazz. C'est énorme! Le morceau final porte le même nom que celui introduisant l'album : You. Très beau, You est plus pop et clôture d'une manière hédoniste ce Lucky Shiner. 

Derwin Panda, a beau être introverti et timide, cela ne l'empêche de nous envoyer de ces claques qui vous font du bien au moral. Il y a encore des gens pour qui l'expérimentation musicale compte, qui pensent à intégrer tout ça dans des versants émotionnel. Très bien produit, on peut remercier James Shaw de Simian Mobile Disco qui l'a mixé, Lucky Shiner mérite une écoute attentive. Si vous êtes après ça encore dubitatif, replongez-vous dedans. A votre bon plaisir.

Chronique Album par Sébastien TRIBOT.

Caribou

Swim 

(City Slang - 2010)

Dan Snaith alias Manitoba alias Caribou, s’est fait remarqué cette année en offrant sa troisième galette, Swim, en pâture aux loups avide de musique intelligente et dansante. Non ce n’est pas de l’idm ! Non ce ne sont pas non plus des comptines pop, solaire et venimeuse auxquelles, il nous avait habitués avec son opus précédent Andorra. Souvenez-vous de Melody day, que le grand journal avait contribué à faire reconnaître. 

Ici, neuf pistes du tonnerre de diable. Odessa et son alchimie complexe. La chanson Sun ! Enorme coup de massue. Les machines rabâchent Sun, Sun, Sun et on chante aussi ! Il installe une boucle de synthés dès les premières secondes et la fait mué habilement, alternant les moments d’ivresse avec ses temps forts et le calme qui survient juste après. Kaili est la migration des oiseaux l’hiver, une contradiction permanente, ou le bien-être et la révolte se côtoient. Comme à son habitude, le savant s’empare de vos jambes. Une irrésistible envie de marcher la nuit, de sourire bêtement. Alors bien sur ce n’est pas l’album parfait, même si on ne peut pas à proprement parler de fausses notes, il reste qu’il existe une certaine inégalité entre les chansons. Question de subjectivité me direz-vous ? Peut-être. Bowls, bien que terriblement bien construite, fait partie de ces chansons qui ne me transcendent pas. , Leave House, est monumentale. Un bijou d’orfèvre, confectionné avec préciosité, qui se révèle en bouche après plusieurs dégustations. Attention à ne pas se laisser désarçonner par le côté kitsch et lancinant, car il est accompagné de moment de rupture qui vous feront chanceler. Une perle ! Lalibela s’appréhende comme un interlude. Une pause bienfaitrice, une caresse tendre. Une préparation pour Jamelia, la chanson qui clôture l’album.  Et qui elle, s’envole, lyrique, organique. Douloureuse et tragique, la remontée d’une nage merveilleuse, la recherche du souffle pour se maintenir en vie. En d’autres termes un rayon de soleil qui perce une couverture nuageuse opaque, l’arrivée de l’aube. 

Bien que toutes les pistes révèlent un aspect différent, ces neuf chansons sont plutôt homogènes. Formant un ensemble cohérent, limpide, aquatique, mathématique ou l’on entend les cuivres vociférer. Ce qui est sur, c’est que Swim est un album aux multiples facettes… Tour à tour house, électronique voir beat-dance, il s’écoute sous la douche, au casque ou en soirée. Que demander de plus ? Surtout que sans le savoir, ces mélodies vont s’insinuer dans vos caboches, grâces à cette alchimie particulière, cette simple complexité qui lui confère une force insoupçonnable.

Chronique Disque par Sébastien TRIBOT.

Baths

Cerulean

(Anticon - 2010)

Baths, la toute dernière fournée du fameux label Anticon, bien connu il fut un temps par les amateurs de hip-hop, a débarqué en trombe sur internet puis physiquement avec le LP Cerulean. Mal connu à ses débuts malgré la cohorte de projet auxquels il a participé, notamment le très bon Post-fœtus. Il fallait bien Anticon pour le mettre en lumière. Et Daedelus en personne s’est chargé de présenter le Californien Will Wiesenfeld, aka Baths.

Cerulean est un disque pour les amateurs d’electronica bien ciselé, avec un son chaud et fourmillant. Décrire la popote de Baths n’est pas chose aisée. A la première écoute, c’est plutôt déconcertant. Mais c’est frais et typiquement de saison. La voix y est enfantine et mélancolique, tout comme les rythmes syncopés qui envahissent l’album. La première piste, Apologetic Shoulder Blades, donne le ton. Morceau abstract par excellence, mélange de candeur et de sons cosmiques, il introduit magnifiquement l’album. Ca part dans tous les sens mais c’est imparable. C’est tubesque, pop et en même temps ça vrille, les rythmes sont fous, jouissifs ! La plage Maximalist en est le parfait exemple. Puis le parcours, chaotique tout en étant parfaitement maitrisé, continue avec Aminals. LE tube. Beats magiques, chœurs d’enfants, explosion de légèreté et pour enfoncer le clou, un riff de guitare imparable relance le tout. Cohérent, sensible et très généreux, Baths a un son décidément bien à lui, atypique. Gros coup de cœur, pour le titre Hall qui démarre par un beau bordel mais qui permet d’accueillir une ligne abstract sublime, les oreilles et la bouche ouverte. Un bijou d’electronica, vraiment lumineux ! La voix  est touchante, nostalgique presque miraculeuse. Tout s’accorde admirablement bien, de l’acoustique à la mélodie plus électronique et revient comme une photocopieuse pour nous rabattre les oreilles et nous fendre le cœur. Ah oui j’omettais Indoorsy, autre tube ravageur. L’histoire d’une montée parfaite. L’intro démarre avec un rythme syncopé, une belle ritournelle, très mélodique, un léger flottement et BAM ça nous renverse avec l’arrivée des synthés et d’une voix plus pressante qu’à l’accoutumée. Il est temps de calmer ses ardeurs, Pléa est la pour ça. Toujours ce métissage acoustique electronique. La reverb des guitares est superbe le rythme en hand-clap sorti d’un morceau à la Daedelus. La voix y est plus sobre, l’émotion toute particulière traverse le corps. L’album aurait pu se clôturer sur cette track. En résumer Baths devient en un album, un groupe à suivre. Pour les amateurs d’electronica chill-wave à la Toro y moi. C’est poignant, c’est dansant, intelligent et très personnel. Un album foisonnant qui reviendra vous hanter après nombre d’écoutes…

Chronique Disque par Sebastien Tribot

OZI BATLA
Wild Colonial
(Elephant Tracks - Mai 2010)

Ozi Batla : Voici la dernière sortie du label Elephant Tracks qui, depuis 1998, contribue fortement au développement de la scène Hip hop indé en Australie.

Faisant partie intégrante des groupes The Herd et Astronomy Class (signés sur le même label), monsieur Batla est un fidèle poulain de l'écurie. Fort d'une expérience de terrain depuis le milieu des années 90, le Mc originaire de Sydney a heurté les consciences plus d'une fois grâce à une plume politique (dérangeante ?) qu'il revendique et qui l'on mis au centre de débats nationaux, notamment avec les titres '77%', 'Starship Troopers' ou encore 'Burn Down the Parliament'. Il s'est également grandement illustré dans le pays en remportant dans les années 2000 nombreux battles de Mc's : « Verbal Mechanics NSW champ », « NSW Stealth Battle champ », semi finaliste au « Melbourne's Revolver MC Battle », grand finaliste au « National Stealth Battle »... Rien que ça !Pourtant le rappeur ne porte pas l'armure d'un dur, juste ouvert d'esprit et réfléchi, il ne se prive pas pour donner, quand il le peut, un bon coup dans le lard des sujets à risques de son pays (racisme, mal-bouffe, politique...). Ozi Batla casse même les frontières coloniales qui pourrissent encore de l'intérieur le territoire et créé des ateliers hip hop pour les différentes communautés aborigènes, aussi bien dans les quartiers sensibles que dans l'outback profond. Il n'hésite également pas à flirter avec la Drum & Bass ou le reggae en fonction de ces travaux collectifs et ne nie pas son penchant pour la langue espagnol et les influences latines (samba, bossa nova...). Ce qui lui a permis de supporter des artistes tels que The Pharcyde, Grandmaster Flash, Blackalicious, ainsi que Roni Size, Dj Zinc, Prefuse 73 ou encore Squarepusher.«  Wild Colonial » est son premier album solo, sortie le 14 mai dernier.Si un artiste s'écarte de son groupe initial le temps d'un disque, c'est en général pour pouvoir exprimer ce qu'il ne peut accomplir en équipe. Là encore, Ozi Batla n'échappe pas à cette règle et l'album recèle un caractère beaucoup plus introspectif et personnel que sur ces précédents  projets. L'ensemble des beats est signé Sandro et les 12 tracks ne laisse de place pour aucun featuring : telle est la règle d'Ozi ! Son album, c'est son travail avant tout, celui-ci ne pouvant se résumer à une liste d'artistes apparaissant au dos de la pochette ! Seul Dj Bonez, un des meilleurs turntablists du pays, signe les différentes phases de scratch du disque et Sista Native vient poser légèrement sa voix soul sur le happy fun « She's gotta have it » et sur « 1000 drummers ».

Qu'en est-il alors ? Et bien Ozi Batla ne déçoit pas même si à la première écoute l'album ne sonne pas révolutionnaire. Il faut attendre la 3ème piste « Joyride » pour pouvoir enfin se plonger dans le monde du Mc. Les instrumentaux confectionnés par Sandro deviennent, à partir de cet instant, à la fois profonds, réactifs et fusionnent honorablement avec des sonorités plus funk. La panacée pour ce Mc fan de Science fiction et de culture Hip hop. Là où « Joyride » nous téléporte dans le cerveau torturé d'Ozi conduisant à bord d'une voiture volée, sur un beat oppressant et suintant le doute, « 1000 drummers » ressuscite la recette piano classique/flûte qui auparavant, a fièrement donné ses armes à des groupes et artistes tels que les Sound Providers ou J-Live.

La force de cet album ? Pouvoir captiver l'auditeur tout au long de ses 12 titres avec un seul Mc, bien qu'Ozi Batla ne porte une grande particularité dans son timbre de voix. Mais son phrasé clair et son discours engagé qui n'hésite pas à faire resurgir les démons du colonialisme virulent, comme sur le titre éponyme, en faisant allusion aux enfants aborigènes arrachés à leur famille dans le but unique de les éduquer à « l'occidentale » ("He bade the judge good morning and he told him to beware, that he never robbed a needy man or one who acted square. But a judge who robbed a mother of her one and only joy, well surely he's a worse outlaw than the wild colonial boy.") sont des atouts assurés pour la réussite du disque. Les quelques fois ou Ozi Batla chante (« Integrity », « 1000 drummers », « a distant shore ») apportent une certaine fraîcheur à l'homogénéité du disque et les deux interludes (« have a beer » et « don't wanna wait ») offre une petite pause cinématographique plutôt appréciable, entre atmosphère horrifique et ambiance cosy.

Finalement l'énergie au sein de « Wild Colonial » revient aux titres « Mics, peeps & light », où les réminiscences hardcores du hip hop s'épanouissent, et le fameux hit de l'album « Put it on wax ». Sur ce dernier,  Dj Bonez s'éclate à malaxer le sample de « The New Style » des Beastie Boys (« Licensed to Hill », 1986) tandis que les cuivres en alerte et la mélodie au  piano "rétro-saloon" concoctés par Sandro développent l'armada électrique du track, créant ainsi la petite bombe où Ozy Batla fait l'apologie subtile de l'utilisation des samples : "Video didn't kill the radio star, like the DJ didn't kill music made with guitars and the licences and cops haven't shut all the clubs yet, yo check it, downloading music didn't wreck it, the fans are more connected...".
On appréciera également la dernière piste « a distant shore », des cuivres mélancoliques, une basse arrondie qui nous plonge au cœur d'un polar américain des années 50, où l'on pourrait aisément imaginer un Buck 65 imposer sa voix rugueuse. Une très belle ballade dramatique pour conclure ce disque.

Ce n'est pas l'album de l'année, ce n'est pas non plus le Mc de la décennie mais les atmosphères à  la fois brumeuses et groovy confectionnées par Sandro et les récits réfléchis d'Ozy Batla donne l'ampleur suffisante pour pouvoir apprécier sans vergogne ce disque.

www.myspace.com/ozibatla

www.elefanttraks.com

Le clip  de « Put In On Wax » : http://www.youtube.com/watch?v=L4Wd2-2xQl4


                                          
Chronique réalisée par Josselin Couteau, envoyé spécial sur le sol australien

Crystal Castles

Crystal Castles

(Polydor - 2010)

     On parle beaucoup sur ces ondes, et notamment dans Mange Disque, de groupes qui brisent les règles esthétiques classiques pour imposer un son nouveau, mélangeant des éléments qu'on voyait auparavant séparés. Ce sont les groupes d'aujourd'hui, qui n'ont pas peur de flirter avec le mauvais goût pour exprimer leurs émotions. Crystal Castles fait de toute évidence partie de ces faiseurs de sons d'aujourd'hui.

     Ce duo venu de Toronto, qui nous avait gratifié d'un excellent premier album éponyme il y a deux ans, nous revient depuis le 24 mai dernier avec un second opus, toujours dénommé Crystal Castles. Le premier avait fait événement : élu parmi les 50 meilleurs albums de la décennie par le magazine NME, les Crystal Castles mêlaient les chip tunes et les sons 8 beat à une voix salement criée et à un rythme souvent dancefloor. Devenus icônes de toute une génération teenage, ils sont désormais adulés par les émo-punks et ceux qui se reconnaissent dans la série teen-trash Skins, dont la musique des Crystal Castles a servi de bande sonore. Mais cette musique séduit plus largement encore, les plus vieux décelant chez Ethan Kath et Alice Glass, les deux membres du groupe, plus qu'un simple effet de mode. Des pop songs efficaces à la composition et aux mélodies originales et des heureuses prises de risque sonore (utilisation de vieux téléphones portables, vieux synthés, voix vocodées,...) faisaient leur talent et leur réputation.

     Deux ans après, le duo nous revient avec cet album enregistré dans différents coins du monde : une église en Islande, un garage abandonné à Detroit ou encore une cabine montée par le groupe lui-même au Canada. Au terme de cet enregistrement international, un 14 pistes qui contraste sur de nombreux aspects avec le premier album, et d'abord par sa noirceur. Ici plus de place pour les mélodies acidulées et les rythmes rebondissant, on plonge dans une ambiance horrifique dès le premier morceau « Fainting Spells », nappé d'accords d'orgue christique. D'ailleurs, tous les noms des pistes révèlent cette attirance pour le sombre et le morbide : « Suffocation », « Vietnam », « Baptism », « Violent Dreams », « Year Of Silence »,etc...

     Le ton est aussi moins agressif, avec un rythme globalement moins rapide, et des balades pop comme « Celestica », qui me font tout de même parfois penser à Mylène Farmer... On retrouve bien sûr le kitsch notamment sur « Baptism », aux grandes nappes de synthés, et à la petite mélodie de téléphone portable, qui auraient très bien pu se trouver dans une compile techno tuning belge vol.7. « Suffocation » reprend également des synthés très années 90, et « Pap Smear », une des rares chansons lumineuses de l'album, ressemble à s'y méprendre à de la dance du genre Aqua. Mais ce n'est qu'en façade que ces sons nous rappellent de mauvais souvenirs, c'est que les Crystal Castles se sont nourris de ces musiques-là aussi, et qu'ils les utilisent pour les dépasser.

     Et ils les dépassent en injectant cette mélancolie désabusée,voire une noirceur glauque, qui perturbe par sa radicalité. Car c'est bien le coté dépressif qui domine cet album, et qui donne de la force et de la profondeur à des éléments qu'on pourrait trop vite juger comme étant de mauvais goût ou dépassés. Les Crystal Castles composent des mélodies qui impriment durablement l'oreille, et on se surprend à bouger la tête sur des rythmes que l'on aurait renier immédiatement au premier abord. L'excellent « Year Of Silence », le très french touch « Empathy », le rock de « Birds », ou le sublime « Vietnam » le prouvent aisément.

     Attendus au tournant du second album, les Crystal Castles ne décevront donc ni leurs fans ni leurs détracteurs. Ce second album, toujours appelé « Crystal Castles », démontre que le groupe n'a pas cédé aux sirènes de la gloire mais est bien resté fidèle à lui-même. Lors d'une interview au Guardian, le journaliste demandait aux deux membres comment d'une apparence plutôt joyeuse hors interview, ils tombaient dans une caricature taciturne et désabusée en interview : coup marketing? préservation personnelle? « Il n'y a pas de différence » répondait l'intéressé. C'est peut-être ce qui est énervant chez les Crystal Castles, le coté émo-darkness-dépressif un peu surjoué. Mais si cela leur permet de faire de la bonne musique, on ne leur en voudra pas.

Chronique réalisée par Jean-Paul Deniaud

Flying Lotus

Cosmogramma

(Warp - 2010)

Il y a des albums qui semblent tout droit sortir du cosmos, qui échappent aux étiquettes rassurantes, où tous les sons surprennent même l'oreille habituée aux productions de l'artiste. C'est notamment la marque de fabrique du label anglais Warp. La mythique maison de Sheffield nous avait déjà surpris avec l'album de Gonjasufi sorti en ce début d'année ou avec celui de Hudson Mohawke l'an dernier. Et bien Warp récidive avec ce nouvel opus de Flying Lotus intitulé "Cosmogramma" qui sortira le 3 mai prochain.

Flying Lotus, pour rappel, nous vient de Los Angeles. Il s'appelle Steven Ellison et a la particularité notable d'être le neveu d'Alice Coltrane. Pour info, Mary Ann Hobbs, prêtresse du son d'aujourd'hui sur la BBC a dit de lui qu'il était "comme le Hendrix de sa génération". "Cosmogramma", son troisième album présenté par l'artiste comme étant un "space opera", succède à "Los Angeles" sorti en 2008, chef d'oeuvre d'abstract hip hop où les nappes mélancoliques plongeaient l'auditeur dans un univers multiculturel complexe et suave. Deux ans après, Fly Lo, pour les intimes, poursuit plus avant ce qu'il avait initié sur "Los Angeles".

On retrouve ici l'univers, le cosmos sonore de Flying Lotus dans toute sa complexité. Il jongle entre balades à la harpe et beats hip hop puissants, alterne free jazz et rythmes house, mixe riffs de basses et synthés kitschs dans un mariage déconcertant entre instruments acoustiques, bruits enregistrés et électronique. Et trouver l'unité de l'album ne se révèle qu'après un certain nombre d'écoutes tant la diversité des pistes perd l'auditeur.

Si l'album précédent permettait une écoute passive mais réjouissait aussi l'oreille attentive, ici point de place pour la tranquillité d'esprit, comme si Fly Lo mettait ses fans au défi de le suivre dans ses folies mêlant free jazz et tek comme sur Velvet Cake la piste bonus. Pickled!, la seconde piste de "Cosmogramma", est un bon exemple de la complexité de l'album. On y retrouve une basse électrique jazz, un bruit de train à vapeur, des crissements hyper aigus, un beat déconstruit, des nappes de synthés, et encore plein d'autres choses...

Mais pour bien comprendre ce qu'a voulu faire Flying Lotus sur ce "Cosmogramma", il faut regarder la liste des invités. La voix du chanteur de Radiohead Thom Yorke, à peine reconnaissable sous les effets, pose sur "... And The World Laughs With You". La chanteuse de The Long Lost, Laura Darlington, qui a posé sa voix sur tous les albums du Lotus, revient sur "Table Tennis", dont le beat est fait en partie grâce à des balles de ping pong. Le bassiste Thundercat, son cousin le saxophoniste Ravi Coltrane, le producteur Dorian Concept, etc... tous ont rejoint le projet avec le maestro Fly Lo en chef d'orchestre. La soul était le dénominateur commun sur "Los Angeles", "Cosmogramma" nous offre l'occasion d'écouter un hip hop psyché empreint de jazz et d'éléctro puissant.

Au final, cela donne un album certes difficile d'accès et difficile à écouter, mais cette densité de sons ne doit pas décourager l'auditeur curieux de découvrir un hip hop d'aujourd'hui bien différent de la caricature que nous propose les radios commerciales. "Los Angeles" avait été une révolution dans le paysage sonore et avait permis à toute une génération issu de la culture urbaine de décomplexer leur musique, ne reste plus qu'à savoir ce qu'un tel disque va entraîner derrière lui. Avant-gardiste sans aucun doute, Flying Lotus est tout simplement un génie et signe avec "Cosmogramma" un vrai chef d'oeuvre.

Chronique réalisée par Jean-Paul Deniaud

Starkey
Ear Drums and Black Holes
(planet mu - 2010)

Starkey sortait le 19 avril dernier son deuxième album "Ear Drums and Black Holes" sur le mythique label britannique de musique IDM et maintenant dubstep, Planet Mu. Un label où l'on croise aussi la route de dDamage, du vieux Hellfish, de Ikonika et Breakage qui viennent chacun de sortir un disque, le bourrin Venetian Snares et toute la scène dubstep-grime-IDM d'aujourd'hui avec notamment Mary Anne Hobbs. La musique de Starkey se situe donc dans cet environnement sonore-là. Et son album le confirme parfaitement.


On aurait pu le croire anglais, tellement sont présents la patte grime, les vieux synthés kitsch qui rappellent l'album de Hudson Mohawke. Le goût pour le mauvais goût, les voix vocodés, les sons cheesy, so british, sont complètement assumés.

Mais Starkey est américain, de Philadelphie plus exactement. Et c'est peut-être pourquoi il aime travailler les voix à l'Auto-tune, qu'il aime les synthés grandiloquents, qu'il fait systématiquement chanter sur les 15 pistes que propose "Ear Drums and Black Holes". C'est peut-être aussi pourquoi, sur "Alienstyles" par exemple, il se rapproche d'une certaine soul de la West-Coast d'aujourd'hui, celle de Dam Funk ou de Olivier Daysoul, qui joue des synthés justement, à la façon cosmique d'un George Clinton. On retrouve d'ailleurs l'aspect Etats-Unien sur "Club Games" qui rappelle immédiatement les Cool Kids, avec un beat simpliste et un gros rap lent. Mais cet album de Starkey va plus loin.


Plus loin que des étiquettes sonores, la musique se Starkey est définitivement celle d'un jeune d'aujourd'hui, qui s'est nourri au Hip Hop comme à la Soul, au R'n'B comme au Dubstep ou à la Techno. Et s'il devait se rapprocher d'un artiste, ce serait certainement aux cotés d'Hudson Mohawke qu'on le retrouverait. Cet ado influencé par les mêmes choses que lui, et qui a su tirer parti de l'émergence du Dubstep pour allier des sons qui ont comme point commun le groove afro-américain et la radicalité urbaine. Le mauvais goût de certaines pistes n'efface pas une originalité et une prise de risque salutaire. Cela aussi le rapproche de Hudson Mohawke. Il s'en distingue par son goût pour la puissance des basses, là où l'Anglais préférait la complexité rythmique.


Entre Grime, Dubstep et Hip Hop, avec la présence de rappeurs en featurings sur trois pistes, et même R'n'B avec la présence de vocalistes féminines, "Ear Drums and Black Holes" balance entre bizarrerie sonore et puissance dancefloor. Il vaut au moins l'écoute pour saisir la synthèse que propose la génération urbaine actuelle des musiques de ces 15 dernières années. Il faut s'y plonger pour comprendre ce que la musique de demain nous réserve, une musique hybride rompant avec les barrières classiques, brisant les codes esthétiques, avec un usage immodéré du matériel électronique.



Chronique réalisée par Jean-Paul Deniaud

Chloé

One In Other

(Kill The DJ - 2010)

Chloé sortait donc le 6 avril dernier son album « One In Other » sur Kill The DJ.

Comment a-t-elle rebondi après  son excellent premier album « The Waiting Room » d'il y a 3 ans?

Eh bien il semble qu'elle ne s'est pas enfermée dans la répétition ou la copie d'un succès mérité.

Elle pousse ici plus loin l'aspect expérimental, ne laissant qu'à deux pistes l'attribut techno, allant à nouveau jusqu'à flirter avec l'ambient comme sur « You » avec le folkeux Chris Garneau, ou « Herselves ».

On note des aspirations trip hop sur « One In Other » où l'on pense parfois à Portishead, et les égarements électronica de la demoiselle sont légion, notamment sur « Slow Lane ».

Certaines pistes sont peut-être de trop comme « One Ring Circus » ou « Fair Game », un tantinet répétitives et clairement moins intéressantes, avec moins d'évolutions dans le morceau.

Echo, delay, volume, boucles entêtantes, et voix étirées, tout est là pour plonger l'auditeur dans une ambiance froide et élégante, empli de finesse et de sensibilité.

On retrouve alors la noirceur déjà appréciée sur le premier album, mais là on y prend corps, alors que « The Waiting Room » invitait plus à la contemplation.

Les sons s'allongent, se superposent, l'auditeur est pris aux tripes et se laisse sombrer dans l'univers désabusé de Chloé.

Elle marie aussi bien la boite à rythme que les synthétiseurs ou les guitares, folk ou électrique, qu'elle aime dissonantes.

Et lorsqu'elle pose sa voix, c'est comme d'un instrument qu'elle en joue, en en faisant une nappe sensuelle et inquiétante.

En bref cet album est d'une belle finesse, et la djette française, devenue productrice, nous prouve une nouvelle fois qu'elle sait mettre sa sensibilité au service de la musique.

« One In Other » est peut-être moins abordable que sa première production, mais une écoute attentive révèlera un travail délicat et une oeuvre envoûtante.

Chronique réalisée par Jean-Paul Deniaud

Liléa Narrative

Echantillodrome

(Bax Records - 2010)

Liléa Narrative a sorti le 19 janvier dernier son deuxième album, "Echantillodrome".

Pourquoi en parler 3 mois après?

Parce que ce Caennais fait la première partie d'Antipop Consortium ce jeudi 1er avril à l'Olympic.

En fait, non, ce n'est pas la seule raison.

Liléa Narrative est un peu un phénomène dans la galaxie hip hop français actuelle et sa popularité n'arrête pas de grimper en flèche depuis 4 ans.

Nordik Impakt 2006, Transmusicales 2007, Découverte du Printemps de Bourges 2008, un parcours sans faute, marqué par un premier album "Nouvelle Chair", en 2006 et un side-project, toujours en 2006, sous le nom de Lilae et qui s'intitule attention : "Bruit de branche morte rompue entre des serviettes mouillées"!!

"Nouvelle Chair" fut salué par la critique.

On y voyait un abstract hip hop qui aurait pu être signé chez Lex Records grâce à un savant mélange d'ambiances cinématographiques à la Carpenter, de beats hip hop efficaces.

Une savante construction des morceaux autour d'une noirceur omniprésente.

On y trouvait même l'excellent rappeur Tes, de Lex Records justement.

Un peu plus de trois ans plus tard, on retrouve Liléa Narrative avec "Echantillodrome", il est toujours faiseur de beats, mais l'ambiance a changé.

On retrouve une excellente maîtrise de la composition à partir de samples très divers, toujours cette maîtrise de la platine et du scratch, toujours des beats breakés, et des featurings de qualité puisqu'on trouve au mic le MC de Iswhat? Napoleon Madoxx, et une certaine Perseph One.

Si les mélodies sont toujours mélodramatiques, elles ne le sont pas toujours et le groove des rythmes prend ici une vraie place.

Les morceaux sont plus légers, plus aériens, moins marqués par le coté presque IDM obscur des débuts.

Un même morceau évolue, change de rythme, les samples de voix apparaissent, disparaissent, ce qui atténue l'aspect un peu répétitif habituel de ce genre de production.

La voix féminine De Perseph One rajoute également au coté plus lumineux de  l'ensemble. 

C'est donc à un album plus poétique, et plus groovy que nous offre Liléa Narrative avec cet "Echantillodrome", par rapport à l'opus précédent sorti en 2006.

Moins oppressant que celui-ci, toujours complexe et très travaillé à la Prefuse 73, il garde toujours cette tension et ce goût pour la prise de risque sonore.

C'est ce qui ne le fait pas basculer vers l'easy-listening d'un Wax Taylor ou d'un Chinese Man, avec qui il partage tout de même l'étiquette "abstract hip hop chiadé à la française".

Pour ceux qui ont connu le magnifique premier album des Nantais Depth Affect, "Echantillodrome" de Liléa Narrative est à placer juste à coté dans votre discothèque, et sans rougir.

Liléa Narrative sera donc à l'Olympic le jeudi 1er avril en première partie d'Antipop Consortium, avec lui sur scène Blockbass aux platines-scratch.

Chronique réalisée par Jean-Paul Deniaud

Gonjasufi

A Sufi And A Killer

(warp - 2010)

Mais qui est Gonjasufi, l'auteur de ce somptueux album "A Sufi And A Killer", sorti sur Warp le lundi 8 mars 2010? Il s'appelle en fait Sumach Valentine aka Sumach Ecks, aka  Randy Johnson!
Ce chanteur-rappeur-professeur de Yoga vit à Las Vegas et, s'il a commencé à faire du Hip Hop depuis le début des années 90, il compte déjà quelques disques auto-distribués derrière lui.

Grosses locks, grosse barbe, un je fais ce que je peux qui énerve même un label comme Warp.
Il a en effet été signé en 2008, et n'a rien fait d'autre pendant un an que fumer de la beuh, trop content d'y être arrivé!

Gonjasufi a bien encore quelque chose de singulier : sa voix.
Flying Lotus la décrit comme "intemporelle, incroyablement crade".
Enregistrée presque systématiquement en saturation et en lo-fi, elle contraste complètement avec les instrumentations peaufinées de Fly Lo, Gaslamp Killer ou Mainframe.

Sur l'album, "A Sufi And A Killer", les voix de Gonjasufi n'ont pas mis longtemps à être enregistrées.
Tout le travail a surtout été fait en post-production par le yoga master.
Il a fallu mixer la voix crade du Sufi, souvent fausse, parfois doublée, toujours profonde, avec les instrus magnifiques du Killer qu'est Gaslamp Killer.
Gaslamp Killer, c'est un type dont le buzz n'a fait qu'augmenté, notamment grâce à Stones Throw, le label californien défricheur de talents et de pépites sonores.
On l'a vu sortir des mixes depuis 3 ans mélangeant  le Hip Hop au Métal, au trucs carrément chelous!
Il vient d'ailleurs sorti un mix qui retrace les dix ans de carrière de Flying Lotus, de la bombe! Voilà pour Gaslamp Killer.

Mais revenons à Gonjasufi et à l'album.
19 pistes plus une cachée, et c'est bien simple, elles sont toutes complètement différentes : on commence avec des chants tribaux d'Amérindiens, on passe à la volupté de Fly Lo sur Ancestors ou plus loin à la piste bien garage Suzie Q qui reprend le riff de"I Wanna Be Your Dog" des Stooges.
Il y aura aussi le downtempo de Change, le majestueux Advice où le piano se voit rythmée par une une batterie hardbop ou encore l'étonnante ballade Sheep qui nous rappelle les films de la nouvelle vague et l'époque naïve des Yéyés.
Elle se conclura sur les égarements d'un chanteur indien accompagné à la sitar, et déconstruit jusqu'à saturation. "She Gone", la piste qui suit est plutôt une ballade pop dramatique, Hollydays sera quant à elle 8 bits avec son beat Hip Hop et sa mélodie, et la plainte du Sufi...

Bref tenter de décrire cet album prendrai quelques pages, c'est riche, c'est dense, toujours surprenant. Gonjasufi réussit avec "A Sufi And A Killer" un tour de force incroyable, celui de nous faire voyager dans des univers, des périodes très différentes avec des rythmes, des mélodies, des instruments aussi variés que possible.
Un album d'une grande finesse, malgré un son volontairement crade, qui continue à surprendre au fur et à mesure des écoutes.
C'est intemporel, incontournable et nécessite tout simplement l'achat immédiat.

Chronique réalisée par Jean-Paul Deniaud

Le Retour du duo déjanté d'Anticon

Par où commencer quand on parle de Themselves ?

Tout simplement en revenant d’abord à la source.

Themselves, c’est un duo Californien composé du producteur Jel (Jeff Logan) et de Doseone (Adam Drucker), rappeur déjanté, un poil schizophrène.

Fer de lance du label Anticon, bien connu pour son penchant pour le Hip hop alternatif saupoudré d’electronica ou  de folk, Themselves a vu le jour en 1998 et a depuis sorti 3 albums et participé à de nombreux projets et formations (13 & God, Subtle, Clouddead,…). Ils ont surtout fait leurs preuves grâce à leur deuxième album « The No Music » sorti en 2002 qui avait parfaitement réussi à marier beats hip hop, ambiance moite et enfantine, en fusion parfaite avec la voix nasillarde et le flow supersonique de Doseone. 

 

Après 7 ans d’absence, ils reviennent dans les bacs avec un nouvel album intitulé « Crownsdown » qui vient tout juste de sortir sur Anticon le 20 octobre dernier. Et naturellement, lorsqu’un groupe sort un album mythique (« The No Music »), les suivants n’échappent pas à la comparaison.

Mais a quoi ressemble alors ce nouvel album ?

 

Et bien en simplement dix titres pour une durée de 40 min, le duo nous livre un condensé de frénésie et d’énergie brute. A la première écoute, ce disque n’est vraiment pas facile d’accès : comment réussir à s’imprégner de la multitude de samples et de sons industriels qui composent ces 10 tracks sans tomber dans une certaine incompréhension ? « Crownsdown » laisse peu de repos à l’auditeur. Le disque est très riche en sonorités et on pourrait passer des nuits entières à le décortiquer au microscope. On retrouve bien sûr la patte « Themselves », les beats étouffés et poisseux sont toujours là, le phrasé et la plume de Doseone n’a pas perdu de son charme ni de sa technique, mais les morceaux épurés qui nous apportaient un peu de répit sonore et que l’on pouvait apprécier sur « The No Music » font faux bonds ici.

Le disque ferait apparemment référence aux premiers amours rapologiques des deux membres tels que Gangstarr, Public Enemy ou encore Kool Keith et les Ultramagnetic MCs, mais il n’est pas évident de déceler ce lien à travers l’album. Certains morceaux sonnent bien sûr plus Hip Hop conventionnel tel le morceau qui introduit l’album « Back 2 Burn » et qui annonce la couleur de ce disque sous amphétamines, ou « The Mark » qui à base de riffs de guitare et de scratchs électriques peut rappeler certaines ambiances de Public Enemy.

 

La magie « Themselves » est tout de même présente et à force d’écoute, on s’attachera à l’originalité et aux expérimentations sonores et vocales de morceaux comme  « Daxstrong », « Roman is as Roman Does », ou encore « Gold Teeth will Roll » qui boucle l’album toute en douceur sur la fin avec une mélodie digne d’un film des années 50.

Malgré une atmosphère oppressante et constamment sous tension, la technique et l’efficacité du duo sur « Crownsdown » remporteront les foules du côté des aficionados de Hip Hop alternatif car ce disque est tout de même, une fois de plus, un ovni. Et je vous conseille très fortement, que vous ayez aimés ou non l’album, de courir les voir ce jeudi 29 octobre 2009, à Bitche, dans le cadre du Soy Festival (Nantes). Sur scène, après les avoir vu sans les connaître aux Eurockéennes de Belfort 2003, je peux vous garantir que c’est une vraie machine de guerre (ma claque du festival) !

 

http://www.yamoy.org/

http://www.anticon.com/

 Josselin Couteau



Ecoutez "Daxstrong" de Themselves, extrait de l'album Crownsdown :

BIBIO

Ambivalence Avenue

(Warp - 2009)

De son vrai nom, Stephen Wilkinson, jeune et prolifique producteur anglais signé sur le label Mush depuis 2004, revient avec son premier album intitulé Ambivalence Avenue sur Warp  et dont la sortie européenne est prévue pour le 22 juin prochain.

Etudiant en ingénierie son et passionné par les musiques expérimentales, il crée sa propre identité musicale sous le nom de Bibio en enregistrant à l'aide de son magnétophone des sons et bruits venant de la nature pour ensuite faire sa mixture electronica organique, totalement personnelle.


Ambivalence avenue étonne tout d’abord, par sa richesse. On y trouve de tout : de l’électronica, de l’abstract hip hop, de la soul, de la pop, de la folk…en veux tu, en voilà. Que veut il faire ce Bibio, où veut il nous emmener? Un pari risqué pour garder certaine cohérence tout au long de l'album et pourtant c'est gagné!

Cet album séduit finalement au fur et à mesure de son écoute par son éclectisme et sa fraîcheur éthérée; Le morceau Jealous of roses  arrive avec une basse très groovy et entêtante,  Sugarette dessine une électronica irrésistible érigée à la  manière d’un de ces producteurs et ami, Clark. Bibio parseme ces productions abstract hip hop/ eclectronica entre des titres très folk, à la neil Young comme Lover's Caring, The palm of your wave ou Cry ! Baby ! qui nous fait croire que ce jeune producteur est aussi un songwritter notable.

 Un album qui pourrait avoir sa petite reconnaissance dans l’écurie Warp. A suivre donc…


http://www.myspace.com/mrbibio

Professor Psygroove

Dernière pépite de
Jarring Effects

Premier album de Romain Sygroves aka Professor Psygrooves,  « Foreign Pulses & Borderline Dubs »  mèle avec brio couleurs acoustiques et textures électronique.

Parfois rugueux, ce savant mélange d’électro-dub-jazz se distingue face à d’autres productions moins novatrices étiquetées electro-jazz.  Basse-batterie et guitare expriment avec moiteur un son qui pourrait s’apparenter à The Cinematic Orchestra.

Bref, « Foreign Pulses & Borderline Dubs » est pour un premier essai un coup de maître et entend légitimer le nom de « Professor » tant le groove qui s’échappe de cet album est envoutant.


Incontestablement la révélation électro du mois.

Flash Back !

     Souvenez vous : A l'âge de 15 ans, Jarvis Cocker formait la première version du groupe pop Pulp, sous le nom Arabacus Pulp. Entre la fin des années 1970 et le début des années 1990, le groupe connaît une histoire à rebondissement et finit par se séparer, pour se reformer avec d'autres membres par la suite... avant de connaître le succès en 1994 avec 'His and Hers ' et 'Different Class' en 1995. Il a également été parolier pour le dernier album de Charlotte Gainsbourg.

Now !

     Aujourd'hui, c'est un Jarvis Cocker, qui nous revient "alone", comprenez en solo, avec un tout nouvel album haut en surprises et rebondissements : Further Complications. [Traduction : Augmenter (~ augmentation) les complications ( ~problèmes). ]

     A la première écoute on est un peu dérouté, on se demande "mais c'est quoi ça, qu'est ce qu'il nous a fait" tellement on est surpris. Et puis on réécoute, une fois, deux fois, et là on a un déclic, on accroche, on aime, mieux, on adore.

     Il faut dire que Cocker nous avait habitué avec Pulp, à des mélodies rythmiques à consonnances plus pop, et entrainantes. Là, c'est un autre homme qui se met face à nous. On découvre une autre facette du musicien. Le soupçon d'un vrai rockeur. La pop est bien évidemment toujours là, mais elle est accompagnée d'un son plus poussé, d'une batterie qui bat le rythme de manière plus évidente, de guitares électriques qui décapent nos oreilles, et surtout d'une voix à la limite du cri par moment, notamment sur Angela ou encore Caucasien Blues.

     Mais ce qui est surprenant dans ce nouvel opus, c'est qu'on ne sait pas à quoi s'attendre d'une chanson à une autre. Du début à la fin, on est emporté et transporté entre mélodies pop rock (Angela, Homewrecker ...) et puis en deux temps trois mouvements on se retrouve sur une mélodie plus douces, plus romantiques et plus commune à Pulp (Lefovers ou I never said I was deep, par exemple).

     Un album renversant et transversal en quelque sorte. Un peu comme un vinyle: double face, double personnalité, double émotion. Il y a comme un mélange de vieilles sonorités et de modernité dedans, ce qui lui donne un petit côté éclectique. 

To conclude !

     Further Complications, 11 morceaux qui s'emboitent les uns avec les autres, pour former un album tout simplement paradoxal. Il y aura forcément un titre que vous aimerez.

Plus d'information sur http://www.jarviscocker.net ou sur http://www.myspace.com/jarvspace

Ci dessous vous pouvez écouter Angela, 2ème piste de l'album et 1er single officiel !

 Ingrid B.

OK DUDE! est un label sous forme de plateforme musicale autour des sons qui BOUNCENT !!

booty / grime / glitch hip hop / baltimore / digital dancehall / baile / bassline
Les producteurs et DJ WESSON & VoIoNoCo animent tous les 2èmes samedis du mois l'émission Ok Dude! sur le 92 FM et sortent régulièrement des sorties de bootlegs sous la série "Re:Lifted". Le volume 3 vient de sortir, ruez-vous dessus, et téléchargez-le gratis.

COMING NEXT : WESSON "Caloric EP" et VoIoNoCo "Step EP"

Restez informés des sorties OK DUDE! en vous inscrivant à la Newsletter depuis le site :

 Aug 2009_RE:LIFTED 03
New digital release of the Re:Lifted serie : 3 remixes by VoIoNoCo.

O2ZEN « sans chantilly »

Par ou commencer pour parler de ce groupe de hip-hop bordelais ! Lorsque l’on cause hip-hop de province on pense souvent à Marseilles, nantes (je prêche pour ma paroisse …). Bordeaux est souvent catalogué comme une ville plutôt Rock de par son histoire musicale, elle possède cependant aussi une scène rap alternative de qualité, en voici un exemple  atypique : O2ZEN

Soyons clair la pochette de ce premier disque « sans chantilly » prête à sourir. On pense tout de suite à un enième disque dans une veine TTC, pour faire court du son sucré mais sans saveur...
En se plongeant dans ce premier long format  (19 Titres plus 1 titre caché) on peut y découvrir un univers en décalage avec le rap français actuel, la formation musicale et leurs expériences respectives en disent déjà long. O2ZEN est composé de deux MC,  Al aka Mr Arc en Ciel et Jaco, plus habitués aux joutes lyricales du Slam qu’au Rap Game, Merlin le guitariste jazz metteur en son bidouilleur et le très cinématique dj  Lodjeez. Cela ne s’arrête pas là, ils font preuve d’originalité en invitant la danseuse K-price (on l’entend chanter sur le morceau « chat ») pour  accompagner les lyrics par des mimes chorégraphiées  et explicites en live. Un projet artistique complet plus qu’un groupe au sens classique du terme.

Les thèmes abordés sont riches et sont une des forces de ce disque. Des textes les plus futiles aux plus durs, leurs rap est désabusé, sombre et sobre à la fois, laissant l’auditeur se délecter de jeux de mots et du verbe acide de ces MC  éclaireurs. On entend ici et là parler de drogue, d’argent, de schizophrénie, d’amour perdu,  le tout habillé par des musiques tantôt jazz, tantôt soul mais toujours avec ce petit rien d’electro. De musicalité il en est beaucoup question, Merlin proposant un mélange de beat claquant, d’instruments acoustiques et de samples ingénieux et géniaux.

Chaque titre étant saupoudré d’extraits cinématographiques apportant à l’ensemble une belle cohérence.

On passe de situations qui prêtent aux rires et aux larmes d’une plage à l’autre, on se trouve même touché par la jolie chute d’un morceau cru qui parle « du plus beau cul du monde ». Des désillusions, du cynisme, de la rage, loin des clichés O2ZEN nous touche par son approche très humaine et empreint de leurs expériences personnelles. Ceux là  possèdent une écriture  concrète  et sans détours. On est loin du rap bling bling vide de sens qu’on entend sur les ondes formatées…...C’est du rap qui marche dans les deux sens, ils écrivent et nous disposons … nous interrogeant  sur le monde qui nous entoure et sur les errances de l’Homme. Avec ce premier essai O2ZEN semblent nous dire que malgré la perfectibilité de l’homme il reste de la beauté dans le monde d’aujourd’hui. Certains y verront une sorte de spleen musical et d’autres  simplement de belles chroniques de vie mise en musique.

Après écoute, on en recommanderait bien volontiers ….. Mais seulement « sans chantilly ».

Benjamin aka Dj bassline from Gimme Some More Crew

Citation d’un illustre joueur de maux «D’un rap français que l’on croyait défunt O2ZEN apparait dans ce renouveau qu’on attendait plus et qui arrive enfin du fain, comme la cerise sur un gâteau sans chantilly qui se mangerait sans faim »

Et un de plus !!!!!

Le nouveau maxi du label de Washington Funk Weapons est disponible et c’est All Good Funk Alliance qui s’y colle.
Le duo composé de Frank Cueto et Rusty Belicek montre l’étendu de son talent et de ses influences sur les 4 titres qui composent ce maxi.

Celui-ci se situe dans la mouvance du son break funk, style très prisé par les clubbers anglais. Ce mouvement encore assez méconnu en France commence à faire parler de lui par le biais des labels Lab Rok, Mobil Home et surtout le site Internet www.frenchbreaks.org qui organise des soirées et regroupe ses différents artisans.

Le “AGFA Thème” donne le ton : Ambiance latino avec percussions, cuivres et une ligne de basse ronde et obsédante.

Dans un esprit plus hip-hop le « Where I need to be » invite la chanteuse Alexandrah et le MC Swanburger sur un break jazzy. Malgré un beat à 150 BPM le MC et la chanteuse se posent sans aucune difficulté et la fusion hip-hop break jazz fonctionne a plein régime.

Le dernier track décliné en deux versions différentes confirme la forte teneur en énergie latino et brésilienne de ce maxi.

La première version de « Queres Bailar » par AGFA démarre par des timbales et percussions sur un beat bien appuyé, les cuivres rugissent et donne une furieuse envie de danser . On lui préférera tout de même le remix de Ed royal et Dj Enne qui conserve la guitare funky de l’original mais rajoute un orgue Hammond du meilleur effet. La version latino originale est éclipsée par la réorchestration beaucoup plus rare groove et ravageuse du duo Australien.
Keep on groovin’ Baby !!!!!

En conclusion ce nouveau maxi ne fait qu’en rajouter une couche sur la qualité des productions du duo AGFA et nous oblige à surveiller de très près les prochaines sorties du label Funk Weapons (déjà annoncé : Dj Regal et le maxi « Shock ya mind »).

Bassline from Gimme some more !!!

"Afro Strut" est le parfait reflet de ce mélange de genres qui caractérise maintenant la musique de Mr. Fiddler.

Avec un son bien plus chaud que celui de "Waltz of a ghetto fly" (son faux premier album mais vrai succès), mieux produit aussi, il s'écoute d'une traite, en boucle même : tout y est legereté et finesse.

Le son d’"Afro Strut" et sa diversité sont en partie le fruit de nombreuses collaborations, car là ou Amp avait fait "Waltz" quasiment tout seul, son dernier opus regorge de guests.

Le dj anglais OnlyChild est de la partie pour deux perles matinées de house "Right where you are" et "Ridin'", alors que Raphael Saadiq invente une bassline à tomber sur le nu soul "Faith".

Stéphanie McKay, qui avait accompagné le Fiddler band durant sa tournée triomphale de 2004, apparaît ici le temps d’un duo mellow "Heaven" qui nous fait comprendre ô combien cette fille à du talent (un deuxième album solo serait d'ailleurs en préparation).

Surprises sur "If I don't" au accent jazzy/New Orleans et surtout les très funky "Funky monday" et "Seven Miles" où l'on jurerait entendre les p'tits gars du P-funk. L’étrange "Empower" au flow envoûtant sur notes de Rhodes aquatiques ou encore la bonus track cachée "Dope" sont le reflet parfait du style Amp Fiddler : injecter de l’electro sur des bases soul, funk.

Bref, "Afro Strut" est l'album de la rentrée, et Amp s'impose bel et bien comme étant la nouvelle star du funk.

[Smog Ezaust de Gimme Some More]

Visite le myspace de Amp Fiddler

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FLOW DYNAMICS


Aaaaaahhh ça y est le voilà enfin l’ album de mon pote Flow Dynamics ! J’ ai tellement joué, usé et abusé de son "Live In The Mix" depuis un an et demi qu’ il faudrait que j’ en rachète un autre, ce track dancefloor funk est à coup sûr un classique qui donnera toujours la même envie irrépressible de groover sur la piste d’ ici 20 ans !

Dave Mc Kinney, australien de son état et producteur émérite aux multiples facettes, nous livre enfin son album, sous forme d’ une compilation des maxis et remixes qu’ il a pu produire, plus quelques inédits tout aussi égalables dans la qualité de ce que l’ on pouvait déjà entendre de lui. Dj, producteur, remixeur et multi-instrumentiste (basse, guitare, batterie, cuivres !), il s’ adonne au hip-hop et à quelques beats plus élévés et plus proches des dancefloors dans une veine funk et très jazzy, ses tracks sont toujours frais et aboutis.

Loin d’un morceau où seul un sample tournerait en boucle pendant trois heures, lui défend chacun de ses morceaux avec ferveur dans la tradition d’ un break funk mélangant soul singers et musiciens live, section cuivres, funky basslines et rythmiques bien chaloupées. Il signe sur des labels aussi prestigieux que Freestyle, Funk Weapons des All Good Funk Alliance, on le retrouve sur la compil’ "Export 02 " d’A-Skillz ou bien dans le Freestyle mix d’Andy Smith, et ses tracks sont déjà joués depuis longtemps et plébiscités par les grands pontes du genre que peuvent être Fort Knox 5, Krafty Kuts, Gilles Peterson, Kenny Dope, Annie Mac, Spinna, Jelly Jazz, Flevans et Adam Freeland, rien que ça !


On y trouve donc ses propres compositions, des downtempos plus chill-out comme le hip-hop lounge "Steady Rockin’", le jazzy "Just Expressin’", plus funky avec "Better on Stage" et plus virulent encore avec "Up in the Party" . Après on commence sérieusement à attaquer le dancefloor, des beats à 110/115 BPM, et une qualité rare avec l’ irrésistible "Live In The Mix", un des meilleurs morceaux du genre jamais composé à mon avis, je défis quiconque de ne pas bouger un orteil sur ce track, dirigé par une flûte envahissante et des scratchs assassins, et surtout cette mélodie entêtante et envoûtante d’ un Sunny Amorganda qui n’ a rien a envier à un James Brown ou autre Lee Fields ! C’ est un tube, un monstre du funk ! Dans une veine similaire, il y a aussi son remix des All Good Funk Alliance "Superjam", qui n’ en est pas moins dansant. Il livre ainsi plusieurs remixes comme le "Shock Ya Mind" de dj Regal des Wiseguys, "C’mon & Get It" des Random Heroes, ou encore des Speedometers, groupe deep funk anglais, ou, plus surprenant, de Manteca, groupe salsa cubain. Douze morceaux pour un abum que j’ adore, qui sort sur le label Invada pour l’Australie, et sur le prestigieux et qualitatif label Freestyle en ce qui concerne le reste du globe.

Par ailleurs, il est bon de préciser que Dave a aussi un projet plus jazzy soulfool, dans la même veine que celui de Flow Dynamics au niveau instrumental, mais en version house (cf le deuxième remix des Random Heroes sur le même maxi Freestyle). Un album est prévu. Il a enfin signé sous le pseudo de Rhibosome un album a tendance afrofunk/brokenbeat, preuve d’un certain éclectisme et d’une certaine maîtrise des éléments !


dj Popofski

Ecouter :
http://www.flowdynamics.com.au/music.htm
http://www.myspace.com/flowdynamics

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Les musiques électroniques peuvent être belles. L’utilisation de boites à rythme, d’ordinateurs et de samplers peuvent décrire des émotions universelles. Cependant ces machines ne sont rien sans un chef d’orchestre qui donne les directions à suivre, les ambiances à créer, l’organe à toucher.

Ce One Day at Home semble n’en viser qu’un : le cœur. Il est vrai que ce premier disque pourrait être assimiler à du Board of Canada français, mais cela serait faire un raccourci un peu facile tant l’univers de ce jeune musicien est singulier.

Ce qui frappe en premier c’est la cohérence des ambiances imbriquées les unes dans les autres le long de ces 9 titres. La mise en émotion est construite avec des petits riens et touche l’auditeur directement et simplement.

Les sentiments de mélancolie, de joie, de peurs rassemblées dans un recueil de comptines mises en musique. Chacune des chansons sont comme un rappel à notre enfance et à des souvenirs s’y rapportant (les morceaux Métadine, Circonflex).

A l’écoute de cette musique, on oublie la complexité du monde qui nous entoure, nos ambitions galopantes, les erreurs qui nous rongent …on s’immerge totalement dans ce cocon qui parait si familier.

L’utilisation de nappes de clavier lumineuses, de rythmes quasi-cardiaques et de mélodies fantasmagoriques nous plonge dans l’univers du rêve, de l’innocence.

Une voix se fait entendre sur Troisième Type, les mots prononcés sont incompréhensibles mais résonnent comme des syllabes rassurantes susurrées à l’oreille.

La première écoute dévoile une certaine simplicité dans la construction des morceaux, mais au fur et à mesure on découvre beaucoup de petits détails et de trouvailles sonores.

Ce disque est tout d’abord sorti il y a presque 1 an dans un certain anonymat et promotionné de manière artisanale… Un exemplaire avait tout de même réussi à s’échouer sur une de nos platines Pruniennes … Il ressort avec un nouveau distributeur et après plusieurs dates de live et un bon accueil du public, il commence à faire parler de lui.

Bonne ouverture vers les musiques électroniques, ce One Day at Home réussit là où beaucoup se perdent dans un son complexe et trop indigeste. Il plaira autant aux passionnés de musique électroniques qu’aux néophytes soucieux de bouleverser leurs habitudes musicales.

Saycet nous invite à rentrer dans son univers par la petite porte mais après avoir vécu ce disque nous en sortons grandi et heureux d’avoir partagé cette expérience.

Peu de mots sont nécessaires pour décrire ce nouveau volet de la série "Nu" du label Wagram : quantité et qualité sont au menu de ce parfait résumé de la scène d'obédience soul et funk.

Succédant à un premier volume un tantinet light, cette double-compilation offre 32 plages d'allégresse pour tout amateur de dancefloor, qui y retrouvera avec plaisir ou agacement quelques perles datant du début des années 2000 (James Taylor Quartet, Malente, Humble Munk, Yesterday New Quintet), ou encore le remix du "Got to be a love" de Greyboy & Sharon Jones paru en 2004.

La fraîcheur est néanmoins de mise puisque la majorité des morceaux présents ont été publiés entre 2005 et cette année, distillés en outre par un casting de choix : Jurassic 5 & Breakestra, dj Format, Plantlife, Alice Russell, Lyrics Born, Jamie Lidell, Ammoncontact etc., qui côtoient de moins illustres noms tels que les Bamboos, Flevans, Darondo, Nino Moschella, The Rebirth, All Good Funk Alliance et l'afrobeat de Nomo.

L'ensemble est dense, le groove ininterrompu malgré quelques passages plus légers, et l'ouverture d'esprit éditoriale lorgnant autant vers le le broken beat anglais semé par les labels Tru Thoughts et Ubiquity, le hip-hop étatsunien ou la petite scène française incarnée par Mr. President et les nantais de Maelstrom & Napz, ne sera pas pour déplaire aux plus éclectiques d'entre vous.

Et si, par malheur, vous êtiez fauchés, Wagram a aussi pensé à vous puisque moyennant un plan promo quasi inexistant, ce "Nu Funk 2" ne vaut même pas le prix d'un CD simple. Qu'on se le dise !

[T@ngi de Gimme some more]

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Booka Shade aka Walter Merziger et Arno Kammermeier sont les co-fondateurs (avec leurs amis MANDY et DJ T) du label berlinois Get Physical, qui, depuis sa création en 2002, ne cesse de gagner en notoriété sur le plan international.

Le duo qui s’était fait remarquer en 2004 avec un très beau premier album au style inclassable "Memento", revient aujourd’hui avec "Movements".

Cet opus aux mélodies subtiles est plus orienté dancefloor que son prédécesseur.

L’electro house devient funky, jazzy, groovy ou minimale au gré des titres : l’un d’entre eux flirtant même avec l’electronica.

Les compères jouent ainsi avec les atmosphères, nous plongeant dans un univers sombre (« Take a Ride », « Hallelujah USA ») ou intimiste (« Lost High »), avant de nous inviter à la danse (le magistral « Darko » ou l’incomparable « Pong Pang »).

On y trouvera également des versions nouvelles et surprenantes de leurs tubes sortis en 2005 : « Body Langage » (interprété ici de façon jazzy) et « Mandarine Girl » (en live).

Ce second album marque une belle évolution.

Espérons qu’une salle les programme en live prochainement près de chez nous !

[Eléonore]

Un petit tour sur le site de leur label Get Physical

Après 5 ans d'absence, retour gagnant pour le groupe nantais Djama et son nouvel album: Revival.

La première écoute provoque d'emblée le dépaysement.

Un 13 titres qui nous fait voyager dans l'univers de ces artistes dont la vision commune d'un monde de paix, d'amour, de respect et d'unité en font un album reggae à part entière.

Des compositions très fluides puisées aux racines comoriennes des membres encore présents de l'ancienne formation auxquelles les nouveaux venus apportent leur bagage culturel, donnant à cet album une couleur particulière alliant des airs traditionnels à des mélodies orientales, une ambiance métissée, le tout saupoudré de sonorités électroniques.

Djama a volontairement pris le parti de chanter en français pour sensibiliser le public à ce qui se passe dans l'archipel des Comores, n'hésitant pas à formuler de vives critiques sur le plan social et politique comme dans "Boat People" où est soulevé le problème de l'immigration clandestine.

Le poids des textes mis en valeur par des arrangements subtils font que cet album coloré, chaleureux, rythmé et résolument arrimé à l'Afrique procure avant tout le plaisir d'un voyage dans la world music.
Embarquement immédiat…

[JB]

Plus d'infos sur le site de Djama

Et encore une nouvelle sortie Bptich, label de Berlin qui n’arrête pas d’être actif et novateur (label fondé par Ellen Allien en personne).

Apres un dernier album « Thrills » très décevant et très sombre, la miss s’allie avec Apparat, autre artiste allemand bien connu et quant à lui co-fondateur du label Shitkatapult.
Une collaboration pas si nouvelle que ça, puisque Apparat avait collaboré à
« Berlinette », peut être le meilleur album d’Ellen Allien.

Pour « Orchestra of Bubbles », la fusion est parfaite puisque cet album est varié et agréable à l’écoute. Malgré quelques déséquilibres de l’album tant au niveau de la qualité des morceaux, que de leur rythme, on ne peut que sortir avec un air satisfait après l’écoute de ce nouvel opus.

« Turbo Dreams » annonce la couleur, puisqu’il est à la fois rythmé et flottant, suivi de « Way Out », de même calibre mais avec ici la voix d’Ellen Allien.

Les deux comparses essaient ensuite de se frotter au difficile mélange d’instrument classique (violoncelle) avec l’electro (« Retina » et « Metric »), non sans réussite…

On y retrouve enfin sur certains morceaux les rythmes syncopés, coupés, retravaillés, comme aime le faire Apparat sur ses propres productions.

La seule réelle déception est la fin d’album très lente et expérimentale, qui contraste avec le début plus accrocheur.

Mais ce n’est pas cela qui nous fera dire réellement du mal de cet album, apportant avec légèreté une electro sombre mais plus qu’efficace.

Plus d'infos sur Ellen Allien, et bien sur Apparat

Pour écouter l'album rendez-vous sur le site du label Bpitch control, ou bien ici

Depuis son apparition en 2003 avec un excellent premier album éponyme, Emilie Simon s’est fait connaître du grand public, a composé la BO de La Marche de l’Empereur, et a raflé une victoire de la musique.

Aujourd’hui, la jeune française est de retour avec son deuxième album « Végétal ». Ce dernier regroupe 13 chansons poétiques dans lesquelles le champ lexical de la flore est largement exploré sur une musique rock electro.

Celle-ci est créée à l’aide de machines mais intègre aussi de vrais instruments.

Y sont présents de très beaux titres comme « Sweet Blossom » et « Annie ».

Cependant, « Végétal » est beaucoup plus construit techniquement, nous laissant un nouvel opus plutôt moyen. La fraîcheur originelle a disparu. Dommage !

Plus d'infos sur Emilie Simon

[Eléonore]

Nouveau prodige de la scène electronica mondiale (ou tout au moins européenne), Nathan Fake sort enfin son premier album, après une série de maxis.

Ce jeune issu de la campagne anglaise se fait remarquer à l’âge de 19 ans, avec son premier single « Outhouse », chez Border Community, label qui monte, qui monte…

Et c’est sur ce même label (celui de James Holden) qu’il sort enfin « Drowning in a sea of love » à seulement 22 ans. Un album mélodieux, mélancolique, et tout simplement beau.Les fans de M83 (pour les montées planantes et les nappes) et/ou de Boards of Canada (pour les sons dissonants) seront ravis de cette nouvelle étoile de l’electro/post rock.

Seul ombre au tableau, Nathan Fake ne se déclare pas comme DJ, et « préfère être reconnu pour ces productions non dancefloor ». Il faut donc se contenter de ses sorties cds/vinyls, ses live étant assez rares.

Mais à vrai dire on se contentera bien de ça, puisqu’il nous comble à chaque sortie.

[Fred]

Plus d'infos sur le site du label Border Community

George Evelyn, qui se cache sous le nom de Nightmares on Wax, revient sur le devant de la scène avec l’album « In space outta sound », sorti chez le mythique label anglais Warp. Un album aux multiples influences : entre trip hop, reggae, soul, le tout relevé d’une petite pointe funky.

Cet album n’a rien de surprenant et de révolutionnaire, mais il reste de bonne qualité. Les morceaux s’enchaînent, et l’aiguille tourne si vite qu’on n’y fait plus attention. Ce n’est qu’à la dernière note que l’on se réveille, et qu’on reprend ses activités normales… Une mixture maison chaleureuse qui dans l’idéal s’écoute au fond de son canapé, en attendant l’arrivée de l’été et de ses siestes musicales.

Mais je vous rassure, aucun cauchemar possible sur une telle musique…

[Fred]

Plus d’infos et album en écoute sur le site de Warp

Quantic, jeune producteur musicien venu de la station balnéaire anglaise de Brighton a de quoi surprendre : 24 ans et déjà 3 albums solo derrière lui, 2 albums avec son groupe Quantic soul orchestra, des productions pour de nombreux musiciens (Alice Russell , Tm juke…..) et des remixes en veux tu en voila (dernier en date : le dernier EP de Breakestra) !!!!

Cette série de morceaux compilés (inaugurée précédemment par Bonobo), met en avant des remixes de l’artiste et des morceaux de l’artiste remixé par d’autres (vous suivez toujours ?).
Cette compilation généreuse (parce que double) propose un mélange de styles variés allant du downtempo à la Drum & Bass en passant par le hip-hop.

Seul dénominateur commun : une science du groove venant de ses influences funk hérité des 45 tours qu’il collectionne assidûment.
Avec cette compilation il prouve qu’il sait produire des sons mais aussi découvrir des producteurs de talent (Carmel, Seiji …..).

Dans les temps forts de cette compilation on retiendra le morceau inédit
« archipelago » pour un titre trip hop mélancolique, un remix du morceau « bailalo » de Dj angola aux ambiances afro broken beat et le remix du morceau « perception » par Nu : Tone pour une version jazzy jungle faite pour atomiser le dancefloor.

[Ben]

Si vous souhaitez plus d’information sur Quantic et sa discographie voici deux sites vivement conseillés :

le site officiel du monsieur

le site du superbe label Tru-thoughts

Film d’animation en noir et blanc de Christian Volckman, l’histoire de Renaissance se passe à Paris en 2054. Karas, un policier, est chargé de retrouver 1 jeune scientifique kidnappée, Ilona Tasuiev, employée par l’entreprise Avalon, et clef d’un protocole mettant en cause l’avenir du genre humain.

Ce long métrage mêlant SF et Polar, dont l’intrigue classique ne convainc pas, doit beaucoup à son sublime graphisme. La BO, quant à elle, est signée Nicholas Dodd.

Celui-ci compose ici sa première musique de film (après avoir participé à celles de Stargate, Independance Day, et de quelques James Bond). Malheureusement, ses morceaux, pourtant enregistrés avec le London Philarmonia Orchestra, sont relativement pauvres et servent surtout à créer une ambiance adaptée aux situations mises en scène (suspens, moments dramatiques,…).

Le seul intérêt de cette BO vient donc des compositions électro de Louis Warbek (notamment pour « Melrose bar » et « Club 71 ») et des 3 artistes de l’excellent label anglais Warp (Plaid, LFO et Chris Clark), qui nous livrent ici des titres inédits.

A écouter absolument : le magnifique « Chasend » de Plaid et le génialissime « Ted » de Chris Clark.

[Eléonore]

Cela fait déjà plus de treize ans que Swayzak existe (Aka James Taylor & David Brown). Et les deux londoniens n’ont pas pris une ride.

Leur classe inimitable les propulse dans un monde à part de l’electro.

On pourrait qualifier leur musique de minimal deep house de luxe, pour le nom à rallonge. Mais rien à voir avec la house funky (genre French Touch), même s’ils ont émergés dans les années 90’.

Swayzak sont en quelque sorte des précurseurs.

Ils ont réussi à créer leur style propre, que personne n’a su reprendre jusqu’ici.
Après quatre albums (dont « Loops from bergerie » en 2004), Swayzak revient sur le devant de la scène avec un double album.

Le premier disque contient douze remixes fait par Swayzak, reprenant Señor Coconut, Slam, ou encore le titre “Random Access Memory“ de Bergheim 34.

Le second comporte certaines productions introuvables de Swayzak, faites entre 1994 et 2005.

Une bonne leçon de musique lorsqu’on réalise que certains morceaux ont plus de neuf ans ! Le son est toujours agréable à l’oreille, et reste d’actualité (certains titres étant meilleurs que certaines sorties du moment).

Leur musique arrive encore à nous toucher, et à nous faire danser.

Malgré quelques remixes un peu décevant et répétitifs, ce double album reste de haute qualité.

On attend avec impatience leur prochaine « vraie » sortie car ils nous ont jamais déçu.

[Fred]

Retrouve Swayzak directement sur leur site

Et sur le site du label !K7

Mais qui se cache donc derrière cette formation ?

D’abord Uffie, une jeune fille américaine de 18 ans, découverte par Feadz, et qui est depuis sa petite protégée..

Il suffit ensuite d’écouter les premières notes pour reconnaître la patte de Mr.Oizo, croisée avec celle de Feadz (tout deux à la production de ce maxi). Le premier connu grâce à son titre « Flat beat » (accompagné d’une bestiole jaune…), l’autre signant chez le label berlinois Bpitch Control d’Ellen Allien.

Les deux compères réunis avec Uffie donne un cocktail détonnant.

Ce maxi regroupe le titre « Ready to uff », marqué par les beats barrés de mister Feadz. L’autre titre « Pop the glock » est peut être un peu trop sucré… Mais pour se consoler est présent le remix de ce titre par Sebastian, nouvelle signature de chez Ed bangers qui s’inscrit dans la ligné des déjantés ParaOne ou Tacteel. Il offre un remix aux rythmes triturés, à mille lieux de l’original.

Ce maxi est un concentré du renouveau de la scène electro française.

Alors, are you ready to uff ?

[Fred]

Ecoute les morceaux d’Uffie sur son site

Trois ans après le premier volume d’Idol Tryouts, l’excellent label de Détroit, Ghostly International et son petit frère plus techno, Spectral Sounds, nous offrent Idol Tryouts Two.

Cette compilation se divise en 2 CDs (« Avant Pop » et « SMM ») et réunit les artistes maisons du label, de même que quelques amis de celui-ci : Loscil, Richard Devine et Terre Thaemlitz.

« SMM » est réservé aux fans d’électronica et regorge d’instrumentaux planants. On y retrouve les desormais connus: Cepia, Lusine, Aeroc et le fabuleux Twine.

« Avant Pop », quant à lui, est un peu plus éclectique.

Les sonorités varient entre electro, electro pop, minimal hip hop (Dabrye) et deep techno (du toujours aussi brillant Matthew Dear).

Benoit Pioulard, Solvent et Lawrence nous livrent d’excellents titres. On vivra aussi des moments magiques grâce à Mobius Band et son « Electronic Piano » ou son « The Loving Sounds Of Static » remixé par Junior Boys.

Une magnifique compilation. Espérons que le volume 3 arrive avant 2009 !

[Eléonore]

Plus d'infos sur Idol tryouts 2
sur le site du label Ghostly International

Tu peux aussi écouter des extraits de l'album